Con pasos de ballet

TRAJES SEDUCTORES Y FUNCIONALES

2010-07-07T06:24:00.000-07:00

Boceto del Ballet Contemporáneo

Por: Vanessa Gómez

Es increíble ver la agilidad y movimientos que han puesto en escena bailarines como Eddy Borges e Irina Marcano en la obra “Blancanieves y los siete enanitos”. Más aún, resulta encantador ver su vestimenta que parece una réplica exacta salida de este cuento de hadas.

Pero, ¿cómo se ha logrado que estos atuendos sean tan decorados y cómodos a la vez? Esta tarea no ha sido fácil, pero tras los vestidos y demás trajes se mueve todo un equipo que se encarga de realizar cada prenda a la medida exacta y necesidades de los bailarines.

Patricia Zubiría, diseñadora del Ballet Ecuatoriano de Cámara (BEC), comparte sus experiencias y conocimientos sobre el tema para describir cuáles son los procesos de creación y materialización de la indumentaria.

1. INVESTIGACIÓN: conocer la sinopsis de la obra que se desarrollará y observar los ensayos para visualizar los movimientos, de este modo se determina el material, texturas y colores de las prendas.

2. DISEÑO: se realizan los bocetos de los vestidos y disfraces, el director coreográfico examina las propuestas y se modifica cada detalle hasta obtener el traje adecuado para cada personaje.

3. PRODUCCIÓN: es la búsqueda de los materiales, se seleccionan telas elásticas que permitan la movilidad del bailarín, jamás se debe trabajar con telas tensas. Una vez que se tenga todo el material y los bocetos, se los entrega a los modistas quienes inician la realización de los trajes.

4. PRUEBA: se llama a cada uno de los bailarines para que realicen la prueba de las prendas con el fin de corregir cualquier error o cambio que se deba resolver para, finalmente, entregar el vestuario de la obra.

“La palabra funcionalidad es muy importante en este trabajo debido a que uno debe ceñirse a lo que requiere la obra”, indica Patricia. Además, explica que siempre se toma en cuenta la movilidad del bailarín, pues se debe lograr que los trajes sean verosímiles sin que esto signifique utilizar encajes o demás decoraciones mal realizadas que incomoden a la hora de bailar.

Otro aspecto muy importante en la realización del vestuario es lograr una armonía y reciprocidad en los colores para que exista una interrelación en el escenario. Todo esto se toma en cuenta al momento de la iluminación, la cual debe tener concordancia con las gamas utilizadas en los trajes diseñados.

Irina Marcano, quien interpretó a Blancanieves, comenta que trabajar con Patricia es muy productivo ya que siempre está dispuesta a escuchar sugerencias, “ella tiene su visión como diseñadora pero siempre está preocupada por saber si nos sentimos cómodos con los trajes o si necesitamos algún tipo de cambio”.

La producción de la vestimenta es un trabajo que requiere mucho tiempo y dedicación. Por ejemplo, la diseñadora del BEC explica que las obras del ballet clásico son más trabajosas y decoradas a diferencia del ballet contemporáneo o folclórico.

“El montaje del clásico Romeo y Julieta nos tomó entre cuatro o cinco meses, considerando que se trabajó en conjunto con un grupo de asistentes que aceleraron la elaboración de los trajes”, recuerda Patricia Zubiría.

Es así como se debe reconocer que cada obra presentada por el BEC no solo se limita a la puesta en escena, sino que encierra una serie de actividades que se van desarrollando con meses de anticipación. Como se puede observar en esta ocasión, la vestimenta es uno de los aspectos que requiere de preparación y un trabajo en equipo que, hasta la actualidad, han logrado diseñar trajes de calidad y que han sido parte de la caracterización de cada personaje.

PERFIL
Patricia Zubiría ha colaborado como diseñadora del BEC por dos años. Durante este período ha realizado los trajes para reconocidas obras como la Bella Durmiente, Romeo y Julieta, Blancanieves y los siete enanitos.

Lleva 15 años en el ámbito profesional; anteriormente, ha trabajado con otras instituciones como El Conservatorio con la obra “Alicia en el País de las maravillas”, ha realizado los trajes de los “Quitus-Caras” para el Museo del Banco Central, entre otros diseños.

Patricia Zubiría, diseñadora del BEC

Radio Revista (Segunda Edición)

2010-07-06T19:54:00.001-07:00

Les invitamos a escuchar nuestra radio revista. Encontrarás el audio de diversos temas como noticias, entrevistas , y reportajes.

Si deseas adquirir nuestra revista acude al Ballet Ecuatoriano de Cámara.

NOTI-ARTE

2010-07-06T19:37:00.000-07:00

BALLET ECUATORIANO DE CÁMARA EN BUSCA DEL PREMIO NACIONAL “EUGENIO ESPEJO”

Por: Patricia Arcos y Vanessa Gómez

El Ballet Ecuatoriano de Cámara (BEC) aspira recibir la condecoración de uno de los premios más importantes en el ámbito cultural.

El próximo 9 de agosto, Día de la Cultura, se entregará el Premio Nacional “Eugenio Espejo” 2010. Para lo cual el Consejo Nacional de Cultura recibirá, hasta el 15 de julio, las propuestas para las candidaturas.

Según la página web oficial del Ministerio de Cultura este es un reconocimiento a “aquellos ecuatorianos o ecuatorianas que han tenido una notable trayectoria en el panorama cultural, social, científico o político del país”.

El BEC considera que podría recibir esta distinción debido a su trabajo realizado a nivel nacional, el cual ha sido “el disfrute de la danza a través de presentaciones de alta condición técnica y difusión gratuita, integrando a los sectores tradicionalmente marginados de esta actividad”, según Rubén Guarderas (director del BEC).

El Premio Eugenio Espejo es entregado por el Presidente de la República de manera bianual. Consiste en un desembolso de $10.000, una medalla, un diploma y una pensión vitalicia equivalente a cinco salarios mínimos unificados.

ARTISTAS NACIONALES SE UNEN PARA RENDIRLE UN HOMENAJE AL BEC

Música y presentaciones en vivo formarán parte del 30vo. Aniversario del Ballet Ecuatoriano de Cámara. En el mes de julio se llevará a cabo un espectáculo cultural en el Teatro Nacional Sucre. Recuentos de las primeras obras del Ballet Ecuatoriano de Cámara y presentaciones de artistas como: Edgar Palacios, Lenín Palacios, Margarita Laso, y la banda sinfónica del Consejo Provincial.

Los grupos del Ballet Clásico, Ballet Contemporáneo y Danza Folclórica del BEC también formarán parte del evento, donde interpretarán lo mejor de su repertorio

Una transformación mágica

2010-07-06T19:35:00.000-07:00

Por Karla Ayora

Una foto de Don Quijote junto al espejo; eso es lo que necesita César Orbe para inspirarse en su maquillaje y representar así al legendario personaje dentro de la obra de danza que en pocos minutos iba a protagonizar en el escenario.

La transformación inicia, y lo primero en colocarse es una gruesa capa de base en el rostro de color piel, luego utiliza un polvo facial casi blanco, pues si exagera en la cantidad podría dar la apariencia de un mimo y se perdería el concepto del personaje.

Después, está el paso más importante, los ojos, que es un elemento fundamental, porque la profundidad de la mirada tiene que proyectar la personalidad soñadora que tenía Don Quijote, y para lograr este efecto toma un lápiz de ojos color negro y esboza algunas líneas de expresión junto a las cejas y alrededor de las pestañas.

“Aunque ya tengo algunas arrugas, no es suficiente, debo aparentar que tengo 60 años”, comenta César entre risas. Es necesario también tapar las cejas con maquillaje blanco, pues de esta manera los ojos se agrandan y así se logra captar más la atención del público.

Con otro instrumento, dibuja unas cejas grandes y gruesas casi en la mitad de su frente y después, con polvo retoca todo su rostro. “Este maquillaje es básico para compactar la pintura, pues cuando estoy en el escenario la transpiración provoca que se borre.

Finalmente coloca en su cabeza una peluca blanca para dar la apariencia de canas, un sombrero plateado y un bigote del mismo color de su cabello. Todos estos detalles deben tomarse en cuenta en el maquillaje, de esta manera se crea un realismo dentro del espectáculo final.

Este proceso dura aproximadamente una hora, pero es necesario y primordial, “cuando me estoy maquillando también voy interiorizando el personaje, es un proceso mágico y requiere de mucha concentración” Además, no se puede utilizar el mismo maquillaje en todas las personas. Primero hay que analizar los rasgos faciales de quien va a caracterizar el personaje de la obra y a partir de eso el bailarín se encarga de la parte de interpretación teatral.

“Lo mejor de aprender a pintarse es cuando logras verte en el espejo y ser el reflejo del personaje que vas a representar”, dice César, “una obra de teatro sin maquillaje y vestimenta no sería lo mismo, pierde el encanto”.

UN ENCUENTRO CON EL PASADO

2010-07-06T19:23:00.002-07:00

Biografía

Por: Patricia Arcos

Rubén Guarderas

Director General del Ballet Ecuatoriano de Cámara

Maestro de toda una generación de bailarines, coreógrafos y directores. Una de las figuras más destacadas de la danza nacional. Como bailarín , ha llevado a escena personajes y situaciones con gran fuerza interpretativa, como coreógrafo ha logrado plasmar imágenes estéticas de enorme significado.

En 1980 crea el Ballet Ecuatoriano de Cámara, del cual es su director, trabajo que lo ha hecho con entusiasmo y profesionalismo, permitiendo llevar al Ecuador a eventos internacionales , por lo que en 1992 recibe la Condecoración al Mérito Cultural de Primera Clase otorgada por el Gobierno del Ecuador. Su desempeño en el área de gestión cultural lo lleva con habilidad e inteligencia.

Es miembro del directivo del Consejo de Especialistas Interamericanos de Ballet, organismo dependiente de la Organización de Estados Americanos (OEA) y del Comité Honorario de la Asamblea General de Américas de la Alianza Mundial de la Danza y fue elegido recientemente como Presidente de la Casa de la Cultura Benjamín Carrión, Núcleo de Pichincha.

Más de cuarenta años dedicados a la danza, los cuales han trascurrido con la conciencia plena del trabajo realizado por difundir y crear nuevos públicos para la danza en el Ecuador.

Entrevista

¿Cómo surge la idea de crear el Ballet Ecuatoriano de Cámara?

El Ballet Ecuatoriano de Cámara (BEC) se crea en 1980, como una necesidad de ir desarrollando nuevas formas de bailar, y otras técnicas de danza. Se pretendió traer al país diferentes estilos que se venían desarrollando en el mundo, y que aquí aún no se practicaban. Entre ellos estaban el ballet clásico, el ballet neoclásico, la danza popular, con el tiempo nosotros fuimos abriendo nuevos estilos, hasta establecer un grupo multiestilístico y llegar a los sectores más amplios del Ecuador.

¿Usted fue parte de esta creación?

Sí, estuvimos involucrados seis bailarines, nosotros montamos la primera coreografía. Con el tiempo fui dejando la danza, para inmiscuirme en la parte administrativa. Poco a poco nos fuimos consolidando y así se fundo el Ballet Ecuatoriano, que hoy en día es Ballet Nacional.

¿En sus inicios con el BEC recibió el apoyo que esperaba?

Al principio tuve enormes dificultades , porque no existía un público a quién dirigirse. Sin embargo, tuve que abrir caminos y consolidar un grupo definido. De los seis bailarines que empezamos en la actualidad ya somos 90, y todos vivimos con la danza para la danza y por la danza.

¿Qué tipos de danza se han implementado desde la formación del Ballet Ecuatoriano?

Tenemos tres grupos profesionales, el ballet clásico académico, la danza contemporánea, y la danza popular urbana. La última es la que más nos llena de satisfacciones, debido a que, nos da valores de identidad mestizos y a la vez actuales, donde la sociedad quiteña se esté manifestando.

¿Cuál ha sido el mayor logro hasta este día?

El mayor logro es haber recorrido todo el país. Viajar por cantones en donde nunca hubieran soñado tener un grupo de nuestra jerarquía.

¿Es decir, el Ecuador ya tiene presencia internacional?

Indudablemente que sí. El Ecuador tiene un posicionamiento fuerte en el exterior , por su calidad estética y profesional.

¿En estos 30 años, el BEC ha recibido apoyo del gobierno?

El apoyo del Gobierno ha sido y es sustancial, para que nosotros realicemos nuestra actividad gratuita. El Estado nos ha apoyado tanto, que en hoy en día la danza es una política de Estado.

¿Al mirar atrás y darse cuenta de todo lo que ha logrado, qué satisfacción le queda?

Yo soy uno de los pocos afortunados en el país, ya que con esta propuesta que hicimos hace 30 años logré hacer lo que me gusta, y que me paguen por hacer lo que me apasiona. Muchos ecuatorianos quieren hacer algo diferente en sus vidas, sin embargo, por necesidades vivenciales no lo hacen.

¿Qué le falta por hacer dentro del BEC?

Tener un teatro permanente, donde nos permita generar necesidades que nos hagan crecer, en cuanto a propuestas artísticas, estéticas y al desarrollo de nuestra actividad.

¿Qué lección de vida le ha dejado la danza?

Una lección de vida muy dinámica, de crecimiento personal y sistemática de compartir experiencias colectivas, intercambios, encuentros y alejamientos con las personas.

Entrevista completa
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Colgar las zapatillas para dedicarse a un nuevo rol: ser mamá.

2010-07-06T18:33:00.000-07:00

Por: María José Larrea
Conocemos sus pasos, técnicas, repasos, presentaciones, e incluso los detalles de sus preparativos tras el telón.

Todo cuanto se refiere a su talento profesional, pero ¿por qué no se ha profundizado la vida personal de las bailarinas?

Si bien la preparación de quienes deciden ser unas expertas de la danza, exige excelente disciplina, concentración y técnica.

Lo que muchas veces se desconoce es que, esos seres espigados, aparentemente frágiles, de cutis de porcelana y cuello de cisne, esconden, tras de sí, un gran historial de trabajo duro, constancia y sacrificios que no les permiten llevar una vida común.

Mantener una buena relación con su mundo cotidiano se torna una constante dificultad, pues las bailarinas descuidan su vida privada, por la danza.

Tomando en cuenta que, la carrera es breve, el éxito difícil, las frustraciones numerosas, y el medio cruel, se ha disimulado–entre comillas- la irremplazable idea de no tener hijos mientras ejercen su carrera. “Las bailarinas tenemos que pensar más en nuestro físico actual y como eso va a cambiar con un embarazo a futuro. Uno tiene que decidirlo bien antes de lanzarse a ser mamá” afirmó la bailarina Liana Zúñiga, quien a sus 28 años tiene bien claro que el hecho de tener hijos implicaría retirarse de la danza durante algunos años, hasta recuperarse para volver a bailar.

Las condiciones artísticas y físicas extremas predominan durante años de preparación. El estado físico, la talla, la concentración y la disciplina necesaria definen su profesionalidad. Por eso es que, pensar en no ser madres se convierte en una “obligación¨

La maestra y coreógrafa Vanessa Lozano, durante los 20 años de su carrera profesional, aplazó la idea de formar una familia. “Le di largas a la maternidad y a otras cosas personales por mi carrera, porque eso era lo central” afirmó.

A pesar de que Vanessa sentía despierto su lado materno, continuaba sintiéndose comprometida con su profesión.

Siempre mantuvo un entrenamiento cotidiano intensivo y un régimen de vida muy severo que no le permitían decidirse a tener su primer hijo.

Cumplió sus 32 años y finalmente resolvió colgar las zapatillas de punta para dedicarse a un nuevo rol: ser mamá.

“He tomado un tiempo de pausa por una prioridad de vida, era para mí importante, quería tener un hijo y bueno afortunadamente llegó” dijo.

Por ahora, el cien por ciento de su tiempo y de la energía que Vanessa disponía para la danza, hoy lo dedica a su bebé, pues espera asumir esta nueva etapa con la mayor responsabilidad, sin que involucre un descuido de su carrera.

“Espero llevar las dos cosas de la mejor manera: poder brindarle la atención que él necesita y seguir trabajando en el mejor nivel posible dentro de mi profesión porque es lo que siempre me propuse” afirma.

De esta manera, Vanessa rompe las reglas y demuestra que las bailarinas si pueden tener hijos aunque les cueste asumir que un trabajo muy duro les espera si es que quieren volver a bailar.

“Mis planes son volver a bailar, ahora pues tengo un mes, pero para después tengo que empezar a reentrenar para seguir reincorporándome al Ballet Ecuatoriano de Cámara”, asegura.

Lo que Vanessa tiene muy presente es que para su regreso como bailarina deberá sentir que su cuerpo alcanza su máxima expresión: las manos deberán hablar por si solas, sus piernas y brazos deberán ser lo suficientemente flexibles para que sus desplazamientos parezcan tan sutiles y ligeros como el aire.

Y para esto, su forma física debe estar en perfecto estado. Debe regresar a las medidas adecuadas. Deben mantenerse espigaditas, de brazos, piernas y cuellos largos. Con buen empeine, flexibles, abiertas y, por supuesto, con la espalda derecha. De lo contrario, si retorna con un peso mayor, le estaría poniendo una cruz a su carrera.

Uno de los famosos casos dentro del Ballet Ecuatoriano de Cámara, es el de Julia Vidal, de 32 años, quien fue una de las bailarinas que más rápido se repuso después de su embarazo.

Julia después de nueve meses de tener a su hija “Amalia”, continúa danzando como bailarina principal de cada obra. Su buen nivel físico, técnico y psicológico demuestran que “se puede ser mamá bailando, aunque se requieran de muchos sacrificios”.

“Si es difícil reponerse, pero eso depende del organismo de cada cual. En mi caso, yo no tuve necesidad de hacer dieta. Me reincorporé con un trabajo leve, poco a poco empecé a ensayar porque con el peso que uno se entra – prácticamente gorda- si te pones mucha carga de trabajo te vas a lastimar, pero después por el mismo ejercicio ya vas adelgazándote y recuperándote, más que todo, en fuerza física”, dice.

Julia, como madre y como bailarina, reconoce que “ambos trabajos son muy sacrificados”. Sin descartar por supuesto la felicidad que irradia Amalia en su vida.

“Lo duro es el compromiso del trabajo, y el del bebé. Ya no eres solo tú, hay otra personita en quien hay que pensar. Tener un hijo es bonito, trabajoso, estresante, pero sobre todo es gratificante, le da un sentido de madurez a tu vida” afirma.

Vanessa y Julia son dos ejemplos de una revolución no reconocida de bailarinas con hijos. Y al parecer, todo se resume a una necesidad innata; su naturaleza les reclama ser madres por el simple hecho de ser mujeres.

“Ser madre es algo muy individual y no tiene que ser una etapa obligatoria, independientemente de ser bailarinas o no, realmente la mujer debe sentir esa necesidad porque es algo muy interno que te sucede” afirma Vanessa.

Un nuevo “Amanecer”

2010-07-06T18:16:00.000-07:00

El Ballet Ecuatoriano de Cámara presenta la obra “Amanecer” al conmemorar, este 26 de Julio, sus 30 años de vida artística.

“Amanecer” una obra sencilla, pero muy profunda cuenta la historia de una pareja que decide emigrar a la ciudad en busca de un mejor porvenir.

Una mujer y un hombre que despiertan en un nuevo mundo.

A su llegada se tropiezan con un sitio pobre, desolado, en el que no hay oportunidades de trabajo.
Con dolor y miseria reconocen la situación de sus hermanos. Foto: Cortesía del Ballet Ecuatoriano de Cámara.

Una etapa muy dura inunda sus esperanzas, pero de pronto, son bendecidos por “La pastora” un personaje celestial que les da la fortaleza para seguir luchando.

La pastora de hombres teje la premonición certera de que se acercan días de esperanza. María José Larrea y Karla Ayora.

La fortaleza de “La pastora” inunda todo el ambiente y desde entonces la esperanza reside en el alma de todos. María José Larrea y Karla Ayora.

Viene el tiempo de siembra, de trabajos e ilusiones, comienza la bonanza para quienes ha superado sus miedos, perezas y derrotas.

Se ha juntado el racimo de uvas para el vino con el que se festejará el día venidero porque la tranquilidad interna ha llegado. Foto: Cortesía del Ballet Ecuatoriano de Cámara.

Finalmente llega el tiempo de gloria, junto con la verdad y la alegría de sentirse libres e internamente ricos.

Es tiempo de festejo, de valentía y de gozo por el futuro próspero que se acerca. Foto: María José Larrea y Karla Ayora.

De toda aquella nostalgia atravesada, solo queda el regocijo de haber superado el horizonte de la felicidad. Una fiesta folklórica refleja los buenos tiempos y un nuevo amanecer.

“Danzar es vivir” porque el baile es el pleno reflejo de la vida. Foto: María José Larrea y Karla Ayora.

Sin duda, las vivencias, lugares y nostalgias, hacen de “Amanecer”, una obra rica en matices, profunda en contenidos, cargada de contrastes y resplandeciente de expresiones que comunican al público.

Técnica y sentimiento se complementan en esta presentación que ha trascendido ya por tres décadas. Foto: María José Larrea y Karla Ayora.

Coreografía: Gustavo Herrera
Música: L. Advis, A. Ramírez, Pachacamac
Vestuario: Pepe Rosales

Una generación de bailarines que ha dejado huellas

2010-07-06T18:14:00.000-07:00

Desde los años setenta brotó una generación de escritores, pintores, músicos, bailarines y poetas quienes sufrieron la decadencia del pasado, las pérdidas de sus vestigios culturales y la crisis de una formación confesional decrépita. Se sintieron los jóvenes de esa época, de pronto, paralizados. Para profesionalizarse era necesario emigrar, salir.

Tuvieron que vivir allá, extrañados en medio de una gran multitud, cruzados por el propio miedo constructor de sus propios laberintos.

Estas experiencias certificaron el surgimiento de nuevos actores culturales en el país. Teatro y danza empezaron proliferar y cobraron una importancia cada vez mayor, multiplicándose cada año la variedad de eventos y espectáculos de estos géneros, así como más públicos y aficionados.

Felicitaciones a todos aquellos que han hecho este sueño realidad; sobre todo, al público porque desde ellos parte un espíritu exaltado de estimulantes visiones y prácticas que ordenan experiencias corporales y se traducen en danza.

Jaime Orbe
Maestro y coreógrafo del Ballet Ecuatoriano de Cámara.

2010-06-23T12:31:00.000-07:00

Un legado

Por Karla Ayora

Ese bailarin de cabello blanco, sonrisa amplia, de marcadas líneas de expresión en su rostro, es Rolando Sarabia, el padre de uno de los mejores baletistas cubanos de Latinoamérica, que hoy visita Ecuador para compartir su talento.

Cuando Rolando (padre) habla de su hijo expresa orgullo en sus palabras, “bailar en el escenario con mi hijo es lo más bello que he sentido. Es como si estuviera viéndome hace 30 años, con esa misma pasión y agilidad que tiene Rolando”

Rolando (hijo) empezó a los cinco años, dice que su pasión por la danza la aprendió de su padre, “yo no tuve una infancia como la de cualquier niño, en vez de jugar pelota pasaba ensayando en la academia, pero no me arrepiento de nada, de hecho me siento feliz”.

A lo largo de sus 23 años de trayectoria ha ganado un sin número de premios, tanto dentro de su país, como internacionalmente, sin embargo, la sencillez de sus palabras, expresiones y actitudes sigue latente en su personalidad “Dios te da el don, pero tú tienes que explotarlo”, dice Rolando (hijo).

Es la primera vez en la historia del ballet de Cuba, que se encuentran padre e hijo bailando en el escenario. Con una sonrisa, Rolando cuenta que cuando su padre danza a su lado le susurra al oído “vamos hijo, lo estás haciendo bien, con más fuerza”, y es muy lindo sentir esa motivación, dice.

Abuelo, padre y nietos han seguido la tradición dentro del ballet y los tres llevan el mismo nombre, cada uno dejó un legado dentro de sus hijos, el talento, “toda mi vida estuvo centrada en la danza, no tenía tiempo para novias o para salir, mucho menos para casarme, pero ahora que he cumplido mis metas no descarto esa idea” dice el joven bailarín.

“Cuando mi hijo me regaló una botella de ron en el 2002, le prometí que la abriría cuando naciera mi primer nieto y la botella sigue ahí todavía; me gustaría que la vida me dé la oportunidad de verlos crecer y en un futuro no muy lejano, si Dios me lo permite, verlos bailar”

Rolando piensa que su hijo es un ejemplo para todos los jóvenes, la inspiración de muchos baletistas que quieren llegar lejos, pero lo más importante, “aparte de ser un gran profesional, mi hijo es una gran persona”.

2010-06-23T12:29:00.000-07:00

Sueños desde el cielo

Por: Karla Ayora

Andrés había recorrido el mundo deleitando a miles de espectadores en plazas y pueblos; tomaba su rondador compuesto de 22 tubos, y cada uno producía tonos y semitonos.

Iniciaba con una pieza de Mozart, luego de Vivaldi y de Vasch, terminado el espectáculo guardo el rondador en una maleta grande y se marchó.

Cuando llegó a su casa, estaba tan cansado que se acostó a dormir. Al despertar lo primero que hizo fue traer su rondador para preparar su siguiente repertorio ¡Ay Dios mío! Una niña extraña apareció y lo sonrió dulcemente como una hija mira su padre después de hacer una travesura.

Andrés no pudo salir de su asombro, su vida se complicaría y tendría que ser padre a la fuerza.

Mientras cenaban aprovechó para hacerle unas cuantas preguntas.

-¿Cuántos años tienes?

- Este sábado cumpliré 10 años

-¿puedes cantarme?, dijo Andrés.

Uff, definitivamente no naciste para cantar. Andrés trataba de hacer la idea de que era su hija y la invitó por su cumpleaños a una presentación de Ballet infantil. Todo empezó aquí. Por las noches se pasaba inventando y practicando pasos de baile.

Mientras Andrés practicaba el rondador ella aprovechaba para ensayar ballet; él pudo darse cuenta de su extraordinaria habilidad para la danza.

Al siguiente día, encontró un bonito vestido de bailarina para llevarla a sus presentaciones, mientras él tocaba el rondador, ella bailaba.

¿Cómo lo haces tan bien le preguntó? y ella le responde, mientras bailo siempre me anima la frase de aquella señora, que apareció un día mientras jugaba a perseguir mariposas en la estancia del tío Daniel “tienes que caminar mucho si quieres alcanzar un sueño”.

Así es como llegaron a ser famosos. Fueron invitados a uno de los espectáculos de ballet más importantes del mundo.

Era una noche de luna llena, las estrellas revoloteaban a su alrededor, un numeroso público lo aplaudía, la niña vestía un traje de colores del arcoíris, una rosa roja contrastaba su cabello negro, en realidad no era muy bonita; pero tenía una sonrisa angelical que la hacía bella.

Bailaba para los dioses, los alaridos del público eran interminables, de repente empezó a volar y ante el asombro del público se perdió en el cielo estrellado.

QUITO EN VIOLETA

2010-06-22T19:05:00.000-07:00

Una historia, un recuerdo, un momento son plasmados en cada repaso ejecutado por el Ballet Contemporáneo de Cámara, en un merecido homenaje a la chilena Violeta del Carmen Parra Sandoval, (1917 - 1967).

Violeta fue cantante, compositora, pintora, escultora, bordadora y ceramista. Considerada como la folclorista más importante de su país y fundadora de la música popular chilena.

Ella se encargó de dejar un legado de música invaluable. Sus baladas inéditas recorrieron países y continentes.

Pero sin duda lo que resulta un gran aporte a la música es el rescate de la tradición melodiosa chilena. Cada nota se enmarcan en un canto hacia lo divino, y se reflejan en canciones como: "El rin del angelito" o "Verso por una niña muerta”.

SE FESTEJARÁ TRES DÉCADAS DE APORTE A LA CULTURA

2010-06-21T15:47:00.000-07:00

Por: Vanessa Gómez

El próximo 26 de julio se llevará a cabo una gran celebración para homenajear los 30 años del Ballet Ecuatoriano de Cámara (BEC).

La Plaza del Teatro y el Teatro Sucre serán los escenarios de este gran evento cultural que estará lleno de danza, teatro y música en vivo. El BEC, desde 1980, ha aportado al país con excelentes obras puestas en escena para todo público.

Esta velada permitirá la interacción entre el público y los bailarines profesionales, quienes han sembrado el interés por la danza y el arte en sí, tanto a niños, jóvenes y adultos.

Bailarines profesionales del Ballet Contemporánea

Cortesía del Ballet Ecuatoriano de Cámara

ÚNETE AL SEXTO ARTE

2010-06-21T15:43:00.000-07:00

Por: Vanessa GómeEl Ballet Ecuatoriano de Cámara (BEC) ha creado un espacio para difundir y promocionar sus actividades artísticas y culturales, las cuales son realizadas por los grupos de Ballet Clásico, Contemporáneo y Folclórico.
“CLUB BEC, unidos por la danza” es el sitio a través del cual sus fanáticos y seguidores podrán conocer sobre las obras que se estrenarán y recibir invitaciones preferenciales para las mismas. Además, otro de los objetivos de este club es crear una interactividad entre el público que ha venido apoyando el trabajo que realiza el BEC.
Los miembros del CLUB BEC no reciben, únicamente, una identificación como miembro, también pueden acceder a los beneficios que les brinda esta asociación en conjunto con empresas privadas que han brindado su respaldo a la institución.
Entre las empresas auspiciantes se encuentran: Crazy Pizza, agencia de modelos Glamour, centro odontológico Sonríe Life, gimnasio Curves, parrilladas Columbus, entre otros.

Para ser parte del “CLUB BEC, unidos por la danza” visita su web oficial: http://www.balletdecamara.org.ec/ o su blog: www.pasosdeballet.blogspot.com.

TALENTO Y CARISMA CARACTERIZAN A LAS FUTURAS ARTISTAS

2010-06-21T15:35:00.000-07:00

Por: Vanessa Gómez

Suena el timbre y las pequeñas bailarinas corren hacia su aula, frente al espejo comienzan a calentar y, aunque para un espectador corriente cada uno de los movimientos que realizan parecen imposibles, para estas niñas casi expertas son solo un juego antes de empezar con las rutinas oficiales.
Pinocho es la reconocida obra que ensayan las alumnas del primer año de la Metrodanza. Ana Laura Sánchez, una joven cubana de 22 años, es la maestra de este carismático grupo de baile. “Cada clase las niñas me demuestran lo talentosas que son, sus rostros irradian pasión por el baile”, comenta alegremente Ana.
Y es que es imposible no sentirse anonadados con la facilidad y elasticidad que trabajan las bailarinas, al observarlas uno no puede dejar de experimentar la sensación de volar con los movimientos que convierten cada nota musical en un pasaje hacia la niñez que se caracteriza por la inocencia y la curiosidad de descubrir nuevos mundos.
“Mis padres me inscribieron en este curso de ballet por hobbie, pero la verdad es que quiero ser una bailarina profesional como mi profesora y salir de gira por todo el país para presentar las coreografías que ensayamos”, afirma Doménica Peñafiel quien a sus nueve años está decidida a convertirse en una bailarina profesional.
Durante el repaso para la obra, que se estrenará el próximo 19 de julio, las alumnas siguen las instrucciones de su maestra “estiren más sus brazos, saquen pecho, no olviden sonreír”, y eso es lo que jamás le falta a una bailarina, una sonrisa coqueta que sabe cautivar a su público.
Para otras niñas estas clases son para entretenerse de una manera sana. “Me gusta mucho bailar y utilizar los disfraces cuando tenemos una presentación. Antes iba a cursos de natación pero una amiga me contó sobre el ballet y me pareció divertido aprender algo nuevo”, dice Eimy Padilla que pese a ver al ballet clásico como una actividad recreativa mas no profesional, ha obtenido uno de los personajes principales en la obra.
Después de una hora y quince minutos de repaso, las pequeñas dejan sus personajes en el escenario y vuelven a ser las niñas traviesas e inquietas que deben regresar a casa para terminar las tareas y repasar sus lecciones para la escuela.

La maestra Ana Laura Sánchez junto a sus alumnas de primer año.

Las clases en la Metrodanza se llevan a cabo de lunes a viernes, los niños y jóvenes pueden escoger entre los distintos tipos de baile que se desarrollan:
· Ballet Clásico y Moderno
· Danza Contemporánea
· Danza Folclórica: Andina y Mestiza
· Bailes de Salón (caribeños, ecuatorianos y latinoamericanos)
Esta escuela cuenta con un cuerpo académico de calidad que aporta a la formación de profesionales.
Director General: Rubén Guarderas Jijón.
Maestros: Ana Laura Sánchez, Bertho Borges, Carolina Romero, Eddy Borges, Elvia Caballero, Edisel Cruz, Enriqueta Téran, Freddy Tacuri, Gilberto Au, José Hevia, Juliana Santamaría, Lisseth Galego, Paulo Uribe, Rolando Sarabia, Rommel Pérez, Xucit Cuestas, Irina Marcano, Adiene García.
Maestros Taller Vocacional: Alex Pazmiño, Ana Garzón.
Coordinación Académica: Eddy Borges.

Klever Viera “El Llucho danzante”

2010-06-17T18:37:00.001-07:00

Por: María José Larrea.
El “eco absoluto” de la vida de este bailarín, coreógrafo y maestro de danza moderna, retumba en la sangre y la música, el sudor y el aire, el músculo y la idea. Su desinterés por las cosas materiales le conducen a descubrir sus posibilidades y sus alcances, porque él, “sin un medio en el bolsillo” siempre buscó la perfección.

Danzar es …
Esculpir el propio cuerpo en el espacio y multiplicar las formas.

¿Esculpir para qué?
A ratos gozosos, a ratos doloridos, los cuerpos hienden el aire, rápidos, lentos, duros, pero deben hablar por sí solos.

¿El producto en escena es una amalgama del maestro y sus alumnos?
El arte de bailar es una maravilla que se hace cuerpo a cuerpo y es oral, porque no hay libro que funcione, es directo, tienes que estar oliendo la axila del maestro.

¿La danza alude un conocimiento profundo?
Al igual que la poesía la danza se interna, no solo en lo hermoso, también nos dispara y nos hace explosionar el cerebro. Hay que trabajar con el instinto, la sensación y la intelectualidad de quien lo crea y lo admira.

¿Cuándo un bailarín se torna creador?
Después de haber explorado el mundo de la oscuridad, la creación es un estado de lucidez. Es toda una conjugación de cosas, porque para crear, hay que estar en todas las capacidades y potencias.

¿Es una manera de inventar un arte con estilo?
Si, aunque en mi caso sale monstruosa, es una deformación, el espectador se queda “sin piso” en cada uno de mis trabajos.

¿Por qué se inclina por ese tipo de creaciones?
Son obras que no tienen una línea narrativa sino un compuesto en varias capas, de ideas y sensaciones que se materializan en el escenario, muchas veces interpretando personajes que no son comunes y corrientes, sino que van más allá del hombre de carne y hueso.

¿Su creatividad que es lo que trata de revelar?
Como muchos creadores contemporáneos, pienso que en un medio tan mezquino como el ecuatoriano, quien se entrega en serio, al no encontrar otra respuesta, termina cansado, se va cerrando, y el mundo de las convenciones, del formalismo, es el que triunfa. Por eso nos exigimos a nosotros mismos ser auténticos, sorprender y sorprendernos, esa es nuestra victoria.

A sus 48 años, ¿Se ufana de haber realizado todo lo que se ha propuesto?
Eso si me da orgullo, porque solo haciendo se descubren las posibilidades y los alcances. No le debo nada a nadie, he viajado con mis propios recursos. Nunca hice concesiones, menos todavía a nivel estético de creación. Viajo, conozco y me conocen; con las direcciones en una libreta; comunicándome por señas; para ver a Pink Floyd en Dinamarca; sin un medio en el bolsillo; durmiendo en estaciones de metro o dando clases como intérprete, pero siempre he ido en busca de la perfección, sin querer reconocer las limitaciones… que, a veces, se convierten en milagros.

¿Cómo debe manejar un bailarín sus horizontes?
En lo profesional: Si alguien trata de vivir su arte con seriedad es mal visto, pero el que considera más que coreógrafo, bailarín o creador, debe ser un provocador para ser lo suficientemente valiente para entrar a lo desconocido. No hay arte “preconcebido”, lo lindo es encontrarte con eso que te sorprende y te desequilibra.

En lo amoroso: Saber amar, entregarse total, sin reserva. Yo pienso que he amado mucho y también he llegado a creer que el amor solo está en las novelas. Pero siempre me encuentro amplio “lo dejo todo y después quedo en hilachas”.

En lo familiar: Sentir que esta “En la vereda para andar” como dice mi madre, porque aunque muchos no entiendan nuestra forma de vida y nuestro desinterés por las cosas materiales, quienes nos rodean deben apoyarnos. Mi madre está orgullosa de que su último hijo sea artista, está feliz de que sea el “Llucho danzante” como me llama.

En lo social: Lleno de energía, generoso, inteligente, orgulloso y, a la vez, tímido. Me hago el artista, saludo de lejos para no pasar la prueba de timidez al saludar uno por uno, pero sigo siendo el “longo” de Toacazo con complejo de “plástico”.

En lo espiritual: Se habla mucho del cuerpo, pero también es el alma. Nuestro espíritu también está en movimiento, y se entrega a cada fibra y nervio del cuerpo para acariciar, transformar y penetrar hasta el fondo en el espectador.

En el futuro: Convertirme en hueco, en cañada, donde se repitan las voces de los que vienen y me modifican. La nueva generación que empieza, la mía que ya baja. En ese momento se cierra un círculo.

Editorial

2010-06-17T18:12:00.000-07:00

Escucha nuestro programa radial: Con pasos de Ballet

Hacer danza es como la vida, una búsqueda constante de la perfección. Así con sus propias limitaciones… cualquier palabra puede botarnos al piso, pero cuando entramos en escena es otra cosa.

“El bailarín es un muerto que se sostiene en pie a riesgo de su vida”. El cuerpo cotidiano, el que construyó la cultura, la educación, lo tienes que matar y tienes que construir otro. Cuando entramos en escena, la vida nos exige esa otra presencia, “ya no soy yo, es otro” que lo descifra todo, es el ser humano.

Es lograr un estadio del alma donde todo sea posible porque, finalmente, quien gobierna es el continente inmenso de la piel. Nuestra existencia debe corresponder a eso, no puede atañerse a ideas abstractas que no nos dicen nada del mundo.

El arte, al igual que la vida, es trabajo, es desangrarse a cada paso, una lucha contra el tiempo, es permanecer, es continuidad.

Klever Viera
Bailarín, coreógrafo y maestro de danza moderna.
Ballet Ecuatoriano de Camara (BEC)

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2010-06-08T19:46:00.000-07:00

Jaime Camarena

"El ingenio es un don del ser humano"

Por Patricia Arcos.

Biografía

Maestro y coreógrafo nacido en México, D. F. Inició sus estudios en danza en la Escuela Nacional de Danza del INBA, de donde egresó en 1984 para formar parte del cuerpo artístico de la Compañía Nacional de Danza durante 6 años.

Ha participado como invitado en diferentes grupos de danza contemporánea, tales como Utopía, Les Ballets de Quai (Bélgica) y Contradanza.

Trabajó como coreógrafo residente para la Compañía Nacional de Danza de México del 2000 al 2002, en donde se mantienen en repertorio varias piezas de su creación: Abstente y Sostente, y Sobre los techos de la luna. Su obra (independiente de A Poc A Poc), ha sido presentada en diversos foros en Alemania, Estados Unidos, Cuba, Francia, Paraguay, Brasil, Perú, y en los principales foros del país.

En el 2007 fue invitado por la Compañía Nacional de Danza como coreógrafo huésped, presentando su obra en el Festival Dance Salad en la ciudad de Houston, Texas.Durante 2009, su obra El Tiempo en las Orejas Largas, fue presentado en el 36ª edición del Festival Internacional Cervantino.Su trayectoria le hizo merecedor, por el proyecto La Fiesta de los Bárbaros, del apoyo de Iberescena en su rubro de creación, estrenado durante 2008.Actualmente es director y coreógrafo de A Poc A Poc, desde el 2006, Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA.

ENTREVISTA

¿Cómo y cuándo se vinculó a la danza?

Yo empecé como bailarín a los 17 años, es decir, llevo 32 años haciendo danza. Primero estudiaba ballet, años más tarde me incliné por la danza contemporánea. La creación de este arte en mi vida es una incógnita; mi primera obra la monte cuando tenía 20 años, sin embargo, la dejé inconclusa, porque decidí viajar a Europa. Mi consigna en ese continente era la de conocer los lenguajes dancísticos que emergen.

¿Cuál ha sido el mayor sacrificio que ha hecho para llegar al ballet?

Ninguno, porque la danza es mi forma de ver la vida. Yo respiro danza, pienso danza, escribo danza, hago danza y sueño danza.

¿Usted vive de este arte?

Yo me propuse hacer de mi vida esto, sin embargo nadie tiene un futuro asegurado. No tengo un patrimonio propio; es decir yo vivo a diario. En estos últimos años, este tema ha sido uno de los más preocupantes, porque analizo qué va a pasar cuando yo tenga 60 o 70 años. Por otro lado, me preguntó ¿llegaré a esa edad?. La vida se forma de las decisiones concretas que uno toma.

¿Qué significa la palabra “creación” en tu vida?

Una persona puede ser creadora , como puede ser destructora. La vida es como una lucha de opuestos constantes. Si yo hiciera un balance de mi existencia, y tuviera que ir a pasar cuentas, diría que soy un tipo inmensamente feliz, gracias a mi manera de ver la vida y a mi carrera.

¿Qué ha sido lo más gratificante que le ha dejado la danza?

Toda la gente que he conocido, los sitios a donde he viajado , y las experiencias que me han dejado.

¿Qué diferencia encuentra usted en la danza ecuatoriana con la de otros países?

La danza en cada sitio tiene su desarrollo particular. Yo no conozco la realidad cultural del Ecuador, pero con respecto a México podría decir que la danza ecuatoriana es distinta.

¿Qué está pendiente en su vida?

Mi asignatura pendiente es tener un hijo, adoptar otro, y volverme creyente.

¿Usted cree en Dios?

Técnicamente no soy creyente. Soy hijo de una familia evangélica, tengo familiares que fundaron iglesias católicas, y hasta mi abuelo fue constituyente. Mi desviación del credo evangélico ha tenido que ver con temas de desvinculación familiar. La muerte ha sido muy determinante en mi forma de percibir la vida, el adiós de gente muy cercana marcó un hilo determinante en mi camino; es por ello que me apego a mis artes escénicas.

¿Cómo es un día normal en su vida?

Es una cajetilla de tabacos fumada, son ocho horas de ensayo, actividades de difusión y promoción para mi compañía, llamadas para hacer citas. Un día normal es la mezcla de sentimientos a flor de piel, que pueden ir desde actos muy amorosos hasta actos muy neuróticos.

¿Su familia se opuso a que usted fuera danzante?

Cuando mi padre se enteró, me dijo textualmente que me volvería gay. El no recibir apoyo de mi familia, se reflejó en no darme dinero para mi carrera. Sin embargo, la vida en general se forma de estados y convicciones.

¿Porqué su visita a Ecuador?

Surgió una oferta que me hizo Ballet Nacional de Ecuador. Creo que estoy en busca de nuevas oportunidades para mí mismo. El hecho de hacer una creación no es una cosa sencilla, no solo porque falten ideas, sino porque no hay el recurso. La creación es como cualquier profesión y cualquier vicio.

Metro danza inicia sus inscripciones

2010-06-08T17:54:00.000-07:00

Por María José Larrea.

La Escuela Metropolitana de Danza inició, a partir del 01 de junio, las inscripciones del período escolar 2010-2011 para las niñas, niños, adolescentes y jóvenes que visualicen a la danza como una importante herramienta de expresión.

El compromiso es continuar impartiendo educación dancística para formar los futuros profesionales de la danza en el Ecuador.

REQUISITOS:

Niños y niñas que pasen a 5to. básica

Jóvenes hasta los 18 años

Jóvenes hasta los 25 años con experiencia en técnica académica y moderna.

Para mayor información comuníquese a la Escuela Metropolitana de Danza
Y a la dirección online: www.pasosdeballet.blogspot.com www.metrodanza@balletdecamara.org.ec Telf:2559 015.

Recorriendo los caminos del Ecuador.

2010-06-08T17:28:00.000-07:00

Por: Patricia Arcos.

El cronograma de la Temporada “Gira Danza”, es una iniciativa que busca poner en escena una extensa variedad de obras, resultado de un proceso creador, donde el talento y la capacidad de coreógrafos, maestros, bailarines y técnicos, se refleja.

En ese sentido, el Ballet Ecuatoriano de Cámara (BEC), presenta al majestuoso Hidalgo "Don Quijote de la Mancha", “Quito mestizo”, “Trilogía a la Tierra”, y los “Repertorios del Ballet Contemporáneo de Cámara”, en distintos lugares del país, como una manera de dar a conocer su movimiento, música, inspiración, imagen, emoción y sentimiento, allí en “donde el público se involucra y se siente identificado”.

RIOBAMBA
Don Quijote
Fecha: 09 de Junio
Lugar: en el Coliseo Teodoro Gallegos Borja. (Orozco y Pichincha).
Hora: 19:00
La entrada es libre.

CUENCA
Don Quijote
Fecha: 17 y 18 de Junio.
Lugar:
Hora: 20:00
La entrada es libre.

LAGO AGRIO
Repertorio Ballet Contemporáneo de Cámara
- Sin hacer tango
- Solamente una vez
- Laberinto introspectivo del alma
- Mundo feliz
Fecha: 19 y 30 de Junio.
Lugar: Coliseo Santo Domingo.
Hora: 20:00
La entrada es libre.

SAN MIGUEL DE PERUCHO
Quito mestizo
Fecha: 20 DE junio
Lugar: Espacio alternativo (confirmar)
Hora: 20:00
La entrada es libre.

QUITO
Repertorio Ballet Contemporáneo de Cámara
- Sin hacer tango
- Solamente una vez
- Laberinto introspectivo del alma
- Mundo feliz

Fecha: 24 de junio
Lugar: La Ronda
Hora: 20:00
La entrada es libre.

CUMBAYA
Trilogía a la Tierra
Fecha: 27 de junio
Lugar: Coliseo de Cumbaya
Hora: 20:00
La entrada es libre.

Las nuevas acciones…

2010-06-08T17:07:00.000-07:00

Con arrestos y atrevimientos, convoca a la mitad de quien escucha y a la otra mitad también, a romper los sellos prohibidos y enterarnos que el futuro está esperando afuera para reiniciar con entusiasmo la construcción de un santuario sin varillas ni cemento.

El Ballet Ecuatoriano de Cámara (BEC) pretende esta vez globalizar su pasión, desplazando sus esfuerzos por senderos diferentes, con ideas, lugares y públicos que lo dirijan a un espacio donde la humanidad desempaca sus sueños, pero de manera identificada.

La Presentación “La Caída”, del Ballet Contemporáneo de Cámara es una de las manifestaciones artísticas que proponen un grupo de artistas comprometidos con su estilo.

Las ideas empezaron a tomar forma desde siempre, bailarinas y bailarines se juntaron para compartir pensamientos, experiencias y sueños comprometidos a llegar a aquellos espacios inaplazables.

“Emigrar en busca de mejores oportunidades para el público”, eso es lo que cada uno de los bailarines pretende al llevar su arte, su música, su expresión y su sentimiento a cada rincón de nuestro Ecuador.

Para nuestros artistas, una coreografía, principio de una danza reflexiva, se manifiesta a través del color, del sonido, del movimiento y de todo aquello que podemos apreciar por medio de los sentidos, pero si no se proyecta de manera universal, desde y para la vida misma, donde el público se involucra y se siente retratado…deberíamos pensar en tomar nuevas acciones.

Verónica Flores
DIRECTORA DE PROMOCION CULTURAL
BALLET ECUATORIANO DE CAMARA

Danza, una terapia de armonía física y mental.

2010-06-08T16:37:00.000-07:00

Niñas, niños, jóvenes y adultos acoplan a su vida una disciplina llena de colores, movimientos, sonidos, expresiones, y equilibrios, para tomar conciencia de los mecanismos internos y externos que inciden en su persona.

La danza, desde el inicio de los tiempos, es considerada como una terapia de la mente. Su función terapéutica parte del control de emociones y conflictos, al ser un método de liberación de la conciencia ante situaciones de sobrecarga emocional.

Para Marcela Villalobos, Psicóloga, “Lo importante es lograr la armonía de la conciencia porque la sobrecarga emocional pude producirse no sólo por la acumulación de estímulos negativos sino también por alegrías extremas”.

Esto que parece obvio se torna complejo en una sociedad competitiva y llena de estímulos que llevan al ser humano a situaciones límite. La suma de pequeñas provocaciones de la vida diaria tienden a provocar desórdenes que pueden derivar en la angustia y la depresión.

El baile, como disciplina, tiende a ordenar la motricidad, exigiendo un control del propio sujeto, mediante el dominio del equilibrio y precisión de su cuerpo.

“Con los movimientos de la danza árabe puedo remarcar mi feminidad, desestrezarme, lograr armonía conmigo misma y con los demás” explicó Sandra Burgos, quien a sus 32 años, decidió optar por esta práctica.

Algo fundamental en la “danzaterapia” es que, quien lo practica, puede llegar a “ser consciente de” sentir y dominar su cuerpo, su mente, su salud y sus sentimientos. Marcela afirma que “No es suficiente con la descarga física, sino también es importante encontrar el “porqué” y “para qué” se ejecuta el ejercicio.

Pablo Acosta, bailarín argentino, es quien se encarga de “Educar a través del movimiento”, pues considera que su trabajo es el de “capacitar al individuo para ser consecuente de sus expresiones, del peso repartido en su estética, de las diferentes posiciones o tensiones que genera su cuerpo, de su tono enérgico y su desenvolvimiento escénico”.

Acosta explica que “Todos los componentes dancísticos trabajan directamente sobre las emociones, aprendiendo a dominarlas”.

Así, el baile posibilita un entrenamiento sobre la posición del propio individuo en el suelo que pisa. Aquella delicadeza de los movimientos, el ambiente, la música y el silencio crean un espacio propicio para la tratar el espíritu, tanto para quienes lo bailan y sienten, como para el público que admira este arte.

Klever Viera, Coreógrafo del Ballet Contemporáneo de Cámara asegura que el baile no conoce límites ni aparta a las personas. “El baile armoniza la conciencia, es una manera de encontrar una mejor interrelación con el ambiente, de respondernos unos a otros porque está presente en cualquier manifestación humana, es para todos” reconoce.

Así la danza se convierte no solo en una actividad recomendable para los profesionales, al contrario, se trata de una habilidad aconsejable para todos los gustos, edades, y personalidades; para todos aquellos que desean conocerse a sí mismos, llegando de ese modo a “Adentrarse en una pasión que nos dirige a todos al mismo espacio, donde la humanidad desempaca su belleza, su equilibrio y sus sueños”, como menciona Rubén Guarderas, Fundador del Ballet Ecuatoriano de Cámara.

EL BAILE HALLÓ SU LIBERACIÓN A TRAVÉS DE LA DANZA CONTEMPORÁNEA

2010-06-08T12:49:00.000-07:00

Paúl Rey realiza los ejercicios de calentamiento, necesarios para evitar lesiones corporales.

Dejar a un lado las zapatillas y el tutú para bailar descalzos y con movimientos libres, ha sido la mayor expresión de la danza contemporánea que tiene como finalidad transmitir emociones y sentimientos.
A diferencia del ballet clásico, este baile es más libre, los maestros pueden crear su propio estilo y casi no existen nombres técnicos para los distintos movimientos.
Todos los días los bailarines tienen una constante lucha y enfrentamiento con su cuerpo. Lograr un estiramiento de las extremidades significa dolor, pero disfrutan cada clase porque saben que los resultados se verán plasmados en la coreografía final.

Por: Vanessa Gómez y Karla Ayora.

UNA MUESTRA DE TANGO, FLAMENCO Y DANZA ÁRABE SOBRE EL MISMO ESCENARIO

2010-06-08T12:30:00.000-07:00

Por: Vanessa Gómez

Atmósfera de emoción, entusiasmo y energía era lo que se percibía tras vestidores antes de dar inicio a una breve pero encantadora presentación de las alumnas de la Escuela Giselle, donde se imparten clases de ballet, jazz, flamenco y danza árabe.

“Mamá ajusta bien mi moño, no quiero que se suelte en medio del baile”, reclamaba Daniela Morán, una de las bailarinas que esperaba con nerviosismo la hora en que el telón se levante. Mientras, su madre acomodaba el largo y tenue vestido de la niña.

Al compás de un alegre ritmo comenzó la presentación de un tango español, según explicó Juliana Mendoza, maestra del grupo de baile. Los asistentes observaban con admiración la sincronía de las quince alumnas que, pese a ser un grupo de principiantes, demostraron su gran habilidad en el baile.

La siguiente muestra fue de flamenco, las siete bailarinas que desarrollaron la coreografía cautivaron a todo el salón con el espléndido sonido que producían al golpear el piso con pasos rápidos y elegantes, además sus palmas acompañaban cada una de las notas musicales.

Se podía observar en cada rostro de los padres el orgullo que sentían al ver el desenvolvimiento natural y delicado de sus hijas, quienes coqueteaban al público con sus tiernas y pícaras sonrisas mientras deslizaban sus cuerpos por todo el escenario.

Para finalizar, tres pequeñas bailarinas acapararon las miradas de todos los espectadores una vez que iniciaron el movimiento de sus caderas de un lado hacia el otro, al mismo tiempo que sus brazos lograban balancearse con movimientos casi indescriptibles. El ritmo y el entusiasmo que desplegaban lograron contagiar al público que empezó a acompañar con sus palmas cada quiebre de cadera.

De este modo, las pequeñas se deshicieron de los nervios y dejaron el pánico escénico de lado para aprisionar la atención de los asistentes y asombrarlos con su extraordinaria habilidad para compaginar la memorización de cada paso y marcar un ritmo en los mismos.

Al concluir la presentación, el público inundó el salón con aplausos y silbidos para celebrar y dar por sentado el gran éxito que tuvo esta pequeña muestra que derrochó talento y entrega por parte de las alumnas.

Aunque la Escuela de Ballet Giselle no forma parte del Ballet Ecuatoriano de Cámara, éste prestó sus instalaciones para que las alumnas de esta escuela puedan difundir el arte que están aprendiendo y, de este modo, ampliar cada vez más el espacio que se le ha designado a la cultura en el país.

Juliana Mendoza y sus alumnas se despiden del público

DANZAN SOBRE EL CEMENTO

2010-06-07T15:24:00.000-07:00

Por Karla Ayora

Es difícil creer que, una mirada pueda inspirar a una persona a dedicar toda su vida a una carrera con tanta pasión como lo hacen los bailarines de danza. “saber que a la gente le gusta y disfruta lo que hago me motiva cada día a ser mejor”, dice la baletista Juliana Santa María.

Es distinto cuando las obras de danza se presentan en la calle o lugares alternativos, porque lo único que separa al público de los bailarines es una delgada línea que está determinada por unos faros de luz destellante que iluminan el rostro de los protagonistas para no perder el drama en la interpretación.

Dentro de un escenario no existe tanta presión como estar en un lugar alternativo, dice Juliana Santa María. En un teatro los bailarines están en una tarima muy alta, lejos del público, esto da la oportunidad a que se puedan dar un respiro o cambiar su vestuario, pero no quiere decir que sea fácil.

Paúl Rey tiene alrededor de 12 años de carrera profesional y se ha presentado en muchas ocasiones en la calle y cuenta que son experiencias únicas, “una mirada, una expresión o un gesto es más fácil de percibir cuando estoy bailando para un grupo reducido de personas, lo que me produce más emoción y pongo más potencia en el baile”.

Estigmas, es el nombre de la última interpretación que Salomé Cisneros danzó en la calle, la noche acompañó a la función, junto con una leve llovizna que ayudó a contextualizar la obra, en una de las escenas un compañero golpeó su rodilla, pero ella se levantó y sin ningún gesto continuó con el baile.

“La adrenalina produce que ese momento simplemente no sientas dolor, lo único que deseas es ver disfrutar a la gente de la coreografía”. Cuando terminó la obra, Salomé se dio cuenta que su rodilla tomó una coloración morada por el golpe, pero sólo se puso un pantalón para disimular la hinchazón, tomó sus cosas y se marchó con sus compañeros.

Estas son circunstancias cotidianas para los bailarines y a pesar de que, en los ensayos les enseñan cómo manejar movimientos bruscos, como una caída o una cargada, no están exentos a sufrir este tipo de accidentes y, es más doloroso aún cuando danzan sobre el cemento que cuando caen sobre una pista de danza.

Para Paulo Uribe, alumno del BEC, lo más interesante de bailar en un lugar alternativo es que no es necesario convocar a la gente para que asista a la obra, sino que, el público que realmente aprecia este arte se queda por su voluntad y nos transmite sus emociones con una mirada o un comentario de felicitación.

Es una opinión general cuando los bailarines dicen que, la danza en la calle es más humana, complicada, libre e informal y además es satisfactorio que actualmente exista un público, aunque sea reducido, que lo hace posible.

La creación, la libertad y la alegría

2010-05-25T18:15:00.000-07:00

EDITORIAL:

La Metro se Proyecta

Foto: Metrodanza

El gran propósito de promover la democratización del disfrute de la danza como lenguaje universal de comunicación, impulsado por el Ballet Ecuatoriano de Cámara, con el apoyo de organismos de desarrollo socio-cultural, a nivel nacional y local, se consolida en el 2004, en la conformación de la Escuela Metropolitana de Danza, como una unidad académica de formación profesional en las áreas de la danza donde la enseñanza es gratuita.

Para que la actividad danzaria cumpla su misión en el desarrollo sociocultural de nuestro país, debe, en su proceso de evolución continua, motivar a la niñez y a la juventud para que participen prácticamente en esta disciplina, al ocupar creativa y positivamente su tiempo libre. Asimismo, debe beneficiar la sólida formación de nuevos bailarines, profesores y creadores en las áreas de la danza clásica, danza contemporánea, danza nacional –mestiza y étnica-, danza latinoamericana y bailes populares y de salón.

Metrodanza funciona en la Casa de la Cultura Ecuatoriana y cuenta con 350 estudiantes de ambos sexos. La gran demanda de niños y jóvenes por practicar el arte de la danza, posibilita la creación de una Escuela Satélite de Metrodanza, en el Coliseo de la Ciudadela 1º de mayo, zona Eloy Alfaro, sur de Quito. Esta nueva Escuela se encuentra funcionando, desde febrero del 2008, con 200 alumnos de ambos sexos.

Metrodanza y su Escuela Satélite, cuentan con el mejor claustro de profesores, quienes favorecen a mediano y largo plazo, el contar con profesionales altamente calificados en el campo de la danza, que participan en forma activa, mediante la utilización de nuevas técnicas.

El mejor equipo pedagógico, de Metrodanza tiene una reconocida trayectoria en el exterior como en el ámbito nacional; de hecho muchos de ellos son miembros activos del Ballet Ecuatoriano de Cámara, lo que favorece su constante actualización y mejora en cuanto a técnica y participación pedagógica de la clase. Los profesores, no toman al ballet como un hobbie. Metrodanza pretende que la danza se convierta en un factor constitutivo de cada niño, niña y joven que ingresa a sus aulas, para de esta menra encontrar, desarrollar y disfrutar de nuestras habilidades artisticas como medio generador de nuevas sensibilidades.

La Escuela Metropolitana de Danza pretende crear personas sensibles con las nuevas dinámicas mundiales, que tengan una sensibilidad especial para lo humano y que crean que la vida es un goce. La democratización del arte permitirá que la danza se convierta en un factor inmensurable de identidad y de encuentro con nuestras propias valoraciones.

NOTI-ARTE

2010-05-25T17:24:00.000-07:00

LA CAÍDA, UNA TRANSICIÓN DE VIDA
Por: Patricia Arcos

Estamos atraídos desde el centro de la Tierra… pegados al suelo. Nacer, crecer, reproducirse, morir… en esta condición gravitatoria.Caminar, correr, acostarse… siempre absorbidos por esta fuerza,   que nos mantiene pegados al piso. En esta situación de “gravedad” transitamos por la vida.”

La Caída es una coreografía creada por Sofía Barriga , éste baile conjuga emociones y sueños, representa la transición de la vida ligada a la tierra. Su estreno se dará el este viernes 21 en el Yaku museo del agua, a las 20h30. Dos funciones más el sábado 22 y domingo 23 a las 13h00.

Fuente: Tomada de la página http://balletdecamara.org.ec/

DON QUIJOTE, MÁS QUE UNA LEYENDA

La recordada e inmortalizada obra “Don Quijote” será interpretada por el Ballet Nacional de Ecuador. Esta historia conjuga magia, música y expresión, a la vez traslada a los espectadores a un mundo lleno de inmemorables recuerdos llenos de aventura, coraje y decisión.

Su presentación se llevará a cabo este viernes 21 de mayo a las 19:00 en el Coliseo María Augusta Urrutia de Solanda y el domingo 23 en el Coliseo Julio César Hidalgo del Centro Histórico de Quito a las 11:00.

Fuente: Tomada de la página http://www.balletdecamara.org.ec/

DON QUIJOTE SOBRE EL ESCENARIO

2010-05-25T16:40:00.000-07:00

Por Karla Ayora

Cervantes nunca se hubiera imaginado hace cuatrocientos años, cuando publicó la primera parte de su novela El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha, que ésta iba a ser la inspiración para la creación de obras sinfónicas, adaptaciones teatrales, óperas, zarzuelas y ballets.

Múltiples escenas llenas de color y atractivos movimientos reviven a los personajes de la obra de Cervantes, las expresiones faciales y corporales de los bailarines hablaron por sí solas, pues demostraron las alegrías y derrotas de El Quijote.

Medidas perfectas sin descuidar la alimentación

2010-05-25T16:07:00.000-07:00

Por: Karla Ayora y Vanessa Gómez

La danza es una medicina que, a través del ritmo y los movimientos, inyecta energía al cuerpo así como lo tonifica.

No solo una correcta postura y flexibilidad es lo que desarrollan los bailarines de ballet, también adquieren un alto nivel físico, para lo cual requieren rutinas diarias de aeróbicos o gimnasia. Basta con las arduas prácticas de baile y coreografías que repasan para deshacerse del exceso de calorías y mantener una esbelta figura.

Según explica Enriqueta Terán, bailarina profesional del Ballet Ecuatoriano de Cámara, practicar esta actividad por 30 minutos ayuda a quemar hasta 150 calorías, que equivale a media hamburguesa.

A más de este beneficio, también ayuda a tonificar el cuerpo pues los movimientos combinados con estiramientos permiten que el músculo se desarrolle de un modo distinto a cuando se practica otros deportes como la gimnasia. Los bailarines presumen sus músculos o piernas largas y delgadas, a diferencia del músculo con mayor volumen que muestran los gimnastas.

Aunque a simple vista parece que los beneficios son únicamente externos, sobre todo si solo se destaca el mantener una figura esbelta, también fortalecen el aparato respiratorio y óseo, ayuda a la regeneración celular y estimula la actividad cerebral, según un estudio realizado por la universidad McGill en Canadá.

Al analizar las ventajas que promete el ballet, también cabe recalcar que este ejercicio debe ser complementado con una buena alimentación. Incluso, la tonificación de los músculos se debe a un balance entre ejercicios y comida saludable. Sin que esto implique dietas exageradas que conlleven a la anorexia o bulimia.

Tengo hambre, pero debo comer sano

Ya se mencionó los beneficios que causa la práctica de la danza, pero existe una parte importante que los bailarines nunca deben descuidar, la alimentación. Sin duda, todos los que están inmersos en este fascinante mundo tienen que sacrificar mucho, como privarse del exceso de comida grasosa, carbohidratos, dulces entre otros.
Dentro de la escuela de danza la disciplina es muy estricta, por ejemplo, las chicas no pueden pesar más de 100 libras aproximadamente, y ese régimen se plasma dentro de las aulas.

Un grupo de bailarinas esbeltas ensaya una de las coreografías que se estrenará en dos semanas, mientras se sostienen de la barra, una de las alumnas, Nicole, se mira al espejo continuamente observando sus cuerpo, “mi contextura gruesa, en comparación con las otras chicas, a veces me siento pasada de peso”.

Nicole tiene una enorme vocación por la danza, sin embargo eso no impide que tenga antojos como cualquier persona, “cuando me vence la tentación de comer una pizza o unas papas fritas al siguiente día hago el doble de ejercicio para quemar más calorías” comenta, pero su anhelo es ser más delgada para tener más flexibilidad.

En el caso de los hombres los requerimientos físicos son distintos, a ellos les exigen tener el cuerpo musculoso para poder levantar a las bailarinas en las coreografías, sin embargo no pueden tener un índice de grasa corporal alto.

“nosotros debemos que tener la contextura delgada, pero nuestros músculos también tienen que estar bien tonificados, para esto hacemos una rutina de ejercicios y comemos sanamente” dice Emilio Cuello, alumno del Ballet de Cámara.

Estos son algunos requisitos que deben cumplir los bailarines que pertenecen al Ballet, que como cualquier otra disciplina exige mucho sacrificio, tiempo y esfuerzo, pero esto no quiere decir que tienen que privarse de todo, sino se trata de comer normalmente pero con medida.

NOTI-ARTE

2010-05-25T15:47:00.000-07:00

LAS PLAZAS DE QUITO SE LLENAN DE DANZA

Por Karla Ayora

Bailes, vestidos de colores y sonrisas es lo que se verá el próximo 29 de abril en las plazas del casco colonial de la ciudad, en honor a la celebración del Día de la Danza con el auspicio de la municipalidad de Quito.

Desde la mañana, el público podrá disfrutar de comedias musicales y shows de danza contemporánea en la Plaza de la Independencia. A las 11:00, Alex Cevallos interpretará una comedia denominada “Cosas que pasan” y, a las 11:45 se presentará el grupo Danza Ensamble y la Compañía Nacional de Danza.

Con la finalidad de evitar el trabajo y explotación infantil, la Casa de la Niñez presentará en la Plaza de Santo Domingo comparsas, malabares, juegos y estarán también los grupos: Danza Emaus, los Buenos de Palermo, Títere Fue y la música de los Cuatro del Altiplano.

El Ballet Ecuatoriano de Cámara, uno de los organizadores, invita al público quiteño a reunirse este jueves 29 de abril como un día de integración familiar.

CUENCA VIVE SUS FESTIVIDADES JUNTO AL BALLET

Cuenca celebró sus fiestas de fundación el pasado 12 de Abril, y por su aniversario, el Ballet Nacional organizó el festival de danza contemporánea “In Vitro Cuenca 2010” para que el público disfrute de las funciones de danza en sus diferentes manifestaciones.

El festival “In Vitro” cuenta con el auspicio del Fondo Iberoamericano de Apoyo a las Artes Escénicas (IBERESCENAS) y se desarrolló en un programa cultural de cuatro días, en los que se pudo disfrutar de shows artísticos en los espacios públicos; mientras que las charlas, clases abiertas y funciones nocturnas se presentaron en el Auditorio del Banco Central.

Grupos de México, Chile, Brasil, Argentina y Ecuador también estuvieron en el evento. El país fue representado por los grupos: Compañía Nacional de Danza, Ballet Ecuatoriano de Cámara y el Grupo UDANZA de la Universidad del Azuay; cada uno dejó encantado a los espectadores con sus intervenciones pues son obras que se realizan pocas veces en el año.

Oscar Santana y Lorena Delgado, directores y creadores, comentan que el propósito del festival fue también reunir grupos y compañías de danza ecuatorianos y extranjeros, y abrir espacios a los nuevos artistas.

Ballet Nacional da “Fuerza a Chile”

2010-05-25T15:21:00.000-07:00

Por Karla Ayora

Tras el lamentable terremoto ocurrido en Chile el pasado 27 de febrero, el Ballet Nacional organizó dos obras de danza con maestros bailarines chilenos a favor de todas las familias damnificadas.

El escenario para la presentación de estas obras fue el Teatro Bolívar. La danza denominada “vuelvo” fue recreada por el elenco del Ballet Metropolitano y junto con las melodías de la Nueva Canción Chilena, la colorida danza se interpretó para 800 personas aproximadamente.

“Blancanieves y los siete enanitos” fue la segunda obra dirigida por los maestros chilenos Jaime Jory y Georgina Araneda, el movimiento del colorido vestuario de los bailarines dejó encantado a los espectadores, igual que la obra “vuelvo”.

Esta fantástica historia de los Hermanos Grimm llevada al sexto arte incentivó a reunir a las familias a disfrutar del acto y recaudar fondos con donaciones voluntarias del público, pues las obras que realiza el Ballet Nacional son gratuitas.

El evento fue avalado por el Ministerio de Educación , de Cultura, Municipio de Quito, Gobierno Provincial de Pichincha y la Casa de la Cultura Ecuatoriana. Las donaciones fueron recolectas en ánforas para después enviarlas a la embajada chilena.

El retorno de la esperanza

2010-05-25T14:41:00.000-07:00

Por Karla Ayora

El vibrante sonido del charango y la quena de caña latinoamericana se escuchó en todo el escenario y un destello de luz iluminó un rincón del teatro para manifestar la salida de los bailarines, quienes formaban una hilera blanca y roja para representar a todas las vidas que se apagaron después del exilio chileno.

Con movimientos sincronizados, los 20 bailarines se integraron en parejas y como las montañas andinas formaron pirámides que rotaban de un lado a otro, mientras que los espectadores miraban anonadados los movimientos apasionantes de los danzantes.

“La guitarra tiene sentido y razón”, “ni toda la entierra entera” son algunas frases de las canciones de “Vuelvo”, una obra que ha danzado durante tres años por Latinoamérica y es dirigida por los maestros chilenos Jaime Jory y Georgina Araneda.

Es una obra que representa a los pueblos indígenas chilenos, dice Camilo Coello mientras se coloca una cinta alrededor de la frente con bordados de figuras andinas; él se siente identificado con la obra porque le gusta el ballet folklórico, y además lleva una vida espiritual que le permite transformarse fácilmente en los personajes de la danza.

Cuando salta al escenario, Camilo da pasos alargados y se mezcla entre los vestidos de colores de las bailarinas, cada movimiento es perfectamente interpretado, tanto, que hasta la mirada de todas las danzantes se conjuga con la música y transmite al público la tristeza de las mujeres que se quedaron viudas después del exilio.

María José Flores, baletista y maestra de danza, interpreta varios personajes en los distintos cuadros de la obra, pero el que más le apasiona es “El cuarteto” porque le recuerda a la nostalgia que tiene por su tierra, Guayaquil, al igual que las mujeres chilenas por su país.

Pero no todas fueron escenas de melancolía. El danzante, Luis Cornejo, representa el cuadro del homenaje al cantante Víctor Jara, para él es un privilegio interpretar a los artistas que asumieron el compromiso por el cambio y la transformación de la sociedad.

La fuerza del final de la obra estuvo presente en los elementos; la ropa de seda de los bailarines brillaba junto a los faros de luces del escenario y con pasos estratégicos lograron formar la estrella de la bandera chilena, acto que cerró la danza junto a los alaridos del público.

Los estigmas marcados en la danza

2010-05-25T13:28:00.000-07:00

Por Karla Ayora

¿Puedes escucharme? Decía la canción de fondo de la obra de danza “Estigmatizado” o “derecho a ser diferentes”. Con pasos lentos, la bailarina Salomé Cisneros danza sincronizadamente con la música hasta que, un corte abrupto de la melodía anuncia la aparición los demás personajes que representan a la maldad, discriminación y la muerte.

Salomé acostada en piso restriega su rostro, angustiada mira a su alrededor y en seguida recibe un simulado golpe de de Paúl Rey “la discriminación”, el estruendo de la música acompaña al llanto de la bailarina, poco a poco se recupera y con una mirada de rabia pedía compresión a todos aquellos que la acosaban.

Cada personaje representa un mundo distinto: rockeros, hopperos, punks, entre otras tribus urbanas que se han desarrollado en la sociedad y que, según Kléver Viera, tienen eco en las ciudades andinas.

Viera ó “el maestro”, como lo llaman sus seguidores disfruta de la obra desde un rincón del Arco de la Circasiana, en el parque El Ejido, con gestos y uno que otro grito dirige la obra para que todo salga a la perfección y que se reflejen los cuatro meses de ensayo de los bailarines.

La inspiración de la obra nace a partir de éstos grupos de jóvenes que se encarnan en los barrios marginales y en el sur de la ciudad, en donde también existe una fuerte presencia de adolecentes indígenas y migrantes del campo que se fusionan con las tribus urbanas y “con la danza le damos voz a los chicos que representan a la diversidad étnica del país”.

En esta profesión los balletistas se presentan frente al público después de terminar los ocho años de carrera, pero Nicole Reinoso es la excepción, igual que Salomé. Ellas llevan estudiando cuatro años en el Ballet de Cámara y ahora, el maestro les ha dado la oportunidad de debutar en esta obra.

Nicole representa a una drogadicta soñadora, junto con su danza, los colores de sus mayas y el tutú se difuminan con la velocidad de sus movimientos y la diferencian del resto personajes pues ella representa la esperanza en el sueño de Paúl.

“Me siento identificada con Estigmatizado”, dice Nicole, “además el ballet es mi pasión, tanto, que empecé a estudiar a distancia el colegio para dedicarme 100% a esta profesión. Kléver es uno de mis maestros y descubrió un potencial en mí, y creo que por eso me escogió para interpretar la obra”.

Como estigmas, los ojos de los bailarines están marcados con unas gruesas líneas negras de maquillaje y los trajes de colores oscuros marcan la silueta de los danzantes que se mueven de un lado a otro acompañados por una música de ultratumba, finalmente forman una fila se toman de las manos y dan la venia al público.

Posturas y movimientos que imponen elegancia

2010-05-25T12:10:00.000-07:00

Por: Vanessa Gómez

Cuello largo, piernas largas, posición erguida.

Foto: cortesía del BEC

Si crees que el ballet es una disciplina muy estricta que requiere varias horas de repaso y duras rutinas de entrenamiento físico, no estás muy lejos de la realidad. La danza es un arte que exige mucha preparación, pero los resultados son lo más gratificante para los bailarines, sobre todo cuando llega la hora de poner en escena el fruto de su arduo trabajo.

Cada vez que asistes a una presentación, ya sea de ballet clásico o contemporáneo, habrás notado que las bailarinas y bailarines poseen una figura espléndida y proyectan elegancia con cada uno de sus movimientos. Estas características no se logran en cuestión de meses, es algo que se obtiene tras años de agotadores ensayos frente al espejo, esperando alcanzar la postura perfecta. Generalmente, la edad apropiada para iniciarse en esta profesión es a los 8 ó 9 años.

Cuando los alumnos ingresan a los talleres de danza, se les realiza exámenes físicos para determinar su elasticidad, flexibilidad y ritmo. Sin embargo, estos aspectos van evolucionando y perfeccionándose durante la preparación en las clases.

En cuanto a la figura, el ejercicio del ballet va moldeando un cuerpo erguido y delgado. Si consideras que tu cuerpo no concuerda con estas exigencias, no debes desanimarte pues muchos bailarines han ido moldeando su figura estética durante la etapa de desarrollo (adolescencia).

Habrás escuchado, en repetidas ocasiones, que uno nunca termina de aprender. Si bien es cierto los médicos, arquitectos y demás profesionales se actualizan constantemente para cumplir con la demanda de sus clientes; con los bailarines profesionales sucede lo mismo.

Cada día deben repasar sus rutinas y experimentar con la creatividad, también, muchos optan por complementar las clases de baile con pilates (entrenamiento físico que prioriza el uso de la mente para controlar el cuerpo) u otros ejercicios que ayuden a desarrollar su nivel corporal y artístico.

Como se mencionó al inicio, el ballet es una carrera que requiere una exhausta preparación física, pero los beneficios son más. Entre ellos se puede mencionar que mejora la motricidad, brinda una buena salud, mantiene el físico, combate el estrés, y; uno de los más importantes, brinda un mayor nivel de cultura para apreciar el verdadero arte.

¿El ballet es sólo para mujeres?

El cubano Eddy Borges López (34 años) trabaja como bailarín profesional del Ballet Ecuatoriano de Cámara. También es Coordinador Académico de la Metrodanza.

Algunos hombres creen que ser bailarín profesional implica ser afeminado, por tanto, acreditan el arte de la danza únicamente a las mujeres.

Eddy Borges, bailarín profesional, afrontó una situación similar cuando era un niño.

A los nueve años no puedo estudiar danza por los comentarios de su padre, de todos modos, participó en algunas presentaciones de danza folclórica y moderna en su natal Cuba.

Con el apoyo incondicional de su madre empezó a estudiar ballet a los 17, su pasión y dedicación por el baile lo convirtió en un profesional a sus 21 años.

Para Eddy, es una lástima que en los grupos de niños apenas hay tres ó cuatro alumnos varones, lo cual implica que esta mentalidad no ha cambiado aún. Pero en el caso de jóvenes entre los 16 y 18 años, hay alrededor de 15 estudiantes, lo que podría significar un escenario más amplio para los hombres que se sienten atraídos por este arte y no se cohíban ante el qué dirán de la sociedad.

Tanto hombres como mujeres poseen talento para esta profesión, la dedicación y esfuerzo que entregan es equitativo. Basta con apreciar las obras que desarrollan y los personajes que encarnan para comprender que el ballet es un lenguaje corporal que expresa pasión y sacrifico por parte de ambos géneros.

Una profesión sacrificada pero gratificante

2010-05-25T12:01:00.000-07:00

Por: Vanessa Gómez

Albert Romero personifica el pintoresco personaje de Camacho en la obra El Quijote.

Albert Romero es chileno y llegó al Ecuador en 1997. Estudió ballet clásico en el Teatro Municipal de Ballet de Santiago de Chile y actualmente es bailarín profesional del Ballet Ecuatoriano de Cámara.

¿A qué edad decidiste estudiar ballet a nivel profesional?

Lo decidí al cumplir 17 años, aunque me gustaba bailar desde muy pequeño. En Chile existía el gran tabú que los hombres no debían bailar, pues se prestaba para muchas interpretaciones. Fue por eso que al cumplir la mayoría de edad me arriesgué a dedicarme profesionalmente a la danza, desafiando los tabús que yo mismo tenía.

Respecto a tu familia, ¿recibiste el apoyo que esperabas al tomar tu decisión?

Claro que sí, mis papás jamás cuestionaron mi fascinación por este arte. Ellos reconocen que la danza es una profesión muy sacrificada y que implica un alto nivel de cultura el saber apreciarla. Además, mi hermano mayor también es bailarín profesional, él tiene su propia academia de ballet clásico en Uruguay.

Llevas cerca de 13 años viviendo en el Ecuador, ¿cuándo decidiste establecer tu vida en este país?

Cuando conocí a mi esposa. Al poco tiempo de conocerla supe que era el mejor lugar para enraizar mi vida tanto personal como profesional. Y no me equivoqué. Tenemos dos hijos por quienes debemos salir adelante, y apoyarnos mutuamente es lo que ha fortalecido nuestra relación.

¿Cómo has logrado organizar tu tiempo entre el trabajo y tu familia?

Ha sido muy complicado, los repasos en el BEC son a diario y constantemente estamos en giras promocionando nuestras obras. Reconozco que mi esposa muchas veces ha tenido que desempañar el rol de madre y padre a la vez. Pero siempre encontramos el modo de organizarnos; por ejemplo, a veces mis hijos vienen a mis presentaciones y hasta me dan sugerencias para mis personajes.

Tus hijos, ¿ha mostrado interés por seguir tus pasos?

Sí, sobre todo el mayor. Si en un futuro me dicen que desean ser bailarines, tendrán todo mi apoyo, siempre y cuando tomen en serio la profesión y se dediquen cien por ciento a esta disciplina.

Camacho es el personaje más reciente que estás interpretando, ¿cuánto tiempo te tomó la preparación para este papel?

La preparación ha tomado como 8 ó 10 meses, ha sido uno de mis personajes más difíciles de interpretar ya que no requiere de tanto baile sino que debo enfatizar lo expresivo. Mi personaje le brinda el tinte humorístico a la obra, así que debo exaltar mis gestos.

Pese a los grandes sacrificios que has realizado por tu carrera, sobre todo en cuanto tu familia, ¿qué es lo más gratificante que te ha brindado tu profesión?

El poder recorrer todo el país por las giras que realizamos. He podido llegar a cada rincón del país, así como también viajar a Colombia, Uruguay, Bolivia y otros países donde he conocido gente y les he presentado espectáculos de calidad.

Danza y anorexia de la mano

2010-05-25T11:23:00.000-07:00

La obsesión por estar delgada en el ballet está presente
Foto tomada de: www.contusalud.com

Por: Patricia Arcos

La bulimia, anorexia, el síndrome de comida compulsiva y el exceso de ejercicio están ligados a factores emocionales y a problemas de alimentación inadecuados. En la actualidad, la cultura otorga importancia a la apariencia, pero sobretodo a la delgadez. Cualquier danzante con baja autoestima y dificultades para controlar sus emociones puede desarrollar un trastorno alimentario, que luego se convierte en un problema de salud físico y mental.

El Doctor Jorge Naranjo define a la anorexia como un equivalente a morir de hambre, debido a que, quienes la padecen no comen lo adecuado ni las porciones correctas. Para éstas personas el miedo por subir de peso es incontrolable. Por otro lado define a la bulimia con características como atracones de comida, y en seguida vómitos o ingesta de laxantes o diuréticos.

Las enfermedades se ven ligadas a un descenso de peso extremo. Evitar las comidas es uno de los primeros pasos para vincularse a este problema. Realizar un tiempo excesivo de ejercicios es otra de las complicaciones de esta enfermedad. Los danzantes se esfuerzan por quemar las calorías de los alimentos ingeridos. Otro de los factores asociados es el síndrome de comida compulsiva que se basa en ingerir todo tipo de alimentos y en grandes cantidades. Por lo general los bailarines que tienen esta complicación lo hacen en lugares alejados de personas o de familiares.

Las secuelas de esa actividad se ven reflejadas en la sensación de soledad y de culpabilidad que sienten al terminar de comer los bailarines.

La perfección de Blanca Nieves

2010-05-24T19:52:00.000-07:00

Interpretación de los personajes de Blanca Nieves y los siete enanitos.

Foto: Cortesía Ballet Ecuatoriano de Cámara

Todo el elenco de la obra en el cuadro final.

Foto: Cortesía Ballet Ecuatoriano de Cámara

Por: Patricia Arcos

El sereno cántico de los pájaros, la melodiosa voz de un árbol representando al narrador del cuento. Estos fueron los primeros sonidos que se escucharon dentro del Teatro Bolívar. Las luces iluminaron el escenario y dieron la pauta para el inicio de esta obra recordada no solo por niños.

Con impecables movimientos, Blanca Nieves entra en escena. Su sincronización, elegancia y habilidad muestra la preparación de su personaje. Tamara Mudaira representa a la dulce Blanca Nieves, una niña ingenua y soñadora atraída por la naturaleza y por un mundo desconocido.

La lucha constante entre el bien y el mal se ven reflejadas en la obra. La malvada bruja busca la perfección de una belleza aclamada por un espejo mágico, sin embargo, descubre que una niña ocupa ese lugar dentro del reino, como la mujer más hermosa. Desde entonces comienza a despertar una envidia incontrolable y la malicia se expresa en cada gesto y movimiento de la bruja.

La obra conjuga sentimientos de alegría, temor y tristeza. La búsqueda de un mejor lugar para vivir lleva a Blanca Nieves a adentrarse en un pequeño mundo lleno de magia y nuevas experiencias. Su encuentro con siete enanitos, cada uno con diferentes personalidades, le lleva a compartir traviesas vivencias que hacen de éste cuento un momento eterno de felicidad.

Amistad, confianza y dulzura son las enseñanzas que esta historia les deja a cientos de niños que acuden ansiosamente a verla.

La música y la vestimenta dan un toque glamoroso a esta fábula. Los trajes coloridos y entallados de cada bailarín revelan en cada movimiento la perfección de este arte.

Trilogía de la Madre Tierra

2010-05-24T18:49:00.000-07:00

Por: Patricia Arcos

Alas de Tierra

Como un libro, planea por el aire

aquella avecilla… Como un decreto,

un estatuto del viento, abre sus alas y

cruza fronteras de nuestra América

morena, es llevando el mensaje de

nuestros primeros ancestros

Música : Borde mar, Inti Illimani y Julio Andrés Pérez

Semillas de Tierra

La semilla nace de la tierra, nace del vientre, tiene principio y tiene fin. Permanece sagrada como la madre en el mundo, toca a cada ser como a su hijo amado. Cada mañana se la ve crecer conciente y perfecta de que forma parte de su entorno

Lazos de Tierra

Lazos de tierra es una caricia a la América del Sur, a la Pachamama. Es un homenaje a la raza y a los seres ancestrales que dejaron una herencia valiosa de cultura.

Es el final de una trilogía y de un homenaje a la América morena, a sus hombres y mujeres que desde su cultura milenaria han dejado una filosofía de vida ligada a la tierra.

Galería de Fotos

2010-05-24T17:23:00.000-07:00

Presentación Don Qujote de la Mancha.
Fotos: María José Larrea.

Presentación Lolita Tacuri.
Fotos: María José Larrea.

Día de la Danza.
Fotos: Cortesía del Ballet Ecuatoriano de Cámara.

“Si quieres ver danza mira a Edisel Cruz”

2010-05-24T15:12:00.000-07:00

Un artista inquieto, con muchas ideas en su cabeza, rebelde, como cualquier gran creador.

Foto: Cortesía del Ballet Ecuatoriano de Cámara.

Por: María José Larrea.

Se trata de un hombre que moviliza una energía formidable. Quien lo conoce, puede reconocer que se trata de una persona a la que basta solo con mirarlo para saber que quiere gritar al mundo que se siente vivo. Que aprovecha cada minuto del día para desbordar su pasión por bailar y su anhelo por crear. “Si quieres ver danza mira a Edisel” es lo que afirman muchas de las personas que lo conocen. A sus 29 años, es considerado un coreógrafo nato, que puede interpretar cualquier tipo de papel sea este, clásico, contemporáneo o folclórico. Son 13 años de trayectoria los que relatan su vida inmersa, desde siempre, en un mundo mágico, lleno de técnicas, estilos y movimientos corporales que demuestran que la danza es un arte que se lo lleva grabado en el alma.

Elisel Cruz, nació en Cuba en una cuna de artistas. Su madre artesana y su padre actor de cine, ambos con una creatividad impresionante que sin duda, fue heredada por Elisel. El desenvolvimiento de su padre en el cine le permitieron a este joven involucrarse, desde muy pequeño, con apenas 7 años, en un entorno repleto de talentos a los que miraba pero no admiraba, y mucho menos entendía. En ese entonces su tierno sentido lo único que quería era perseguir a su padre, sin saber que con el tiempo viviría en un mundo muy similar. (“yo no sabía, no entendía lo que hacían, solo quería estar cerca de mi papá, dice).

Siempre se inclinó por actividades que le permitían expresarse. Inició con artes marciales, porque sentía esa necesidad física de canalizar su energía. Sin embargo, Edisel sabía que esa no era aún la manera de reflejarse. ¿Por qué tengo que pelearme con alguien para satisfacer algo físico? Fue la pregunta que tuvo que responderse para decidirse por otra práctica. Las opciones eran muchas, pues siempre le gustó dibujar, el cine, la música, la pintura y el diseño, pero la respuesta la encontró en un personaje muy cercano, su hermano, su ejemplo, pues había iniciado su carrera como bailarín hace ocho años. En él vio reflejada la expresividad que tanto buscaba y en la que tanto se identificaba.

Edisel cree que la vida le ha dado suficientes oportunidades –buenas y malas- para ser quien es. La primera - quizá la más importante- fue cuando se enfrentó a la danza por primera vez. En uno de los espectáculos de danza contemporánea a los que asistió, pudo apreciar su futuro en escena. Desde ese momento confirmó “eso es para mí, aquello que estoy mirando es lo que he estado buscando”, recuerda el bailarín.

A los 16 años, “una edad en la que había que cortar camino” como él menciona, pues se trataba de una carrera que implicaba mucha anatomía, formación, reglas, formas a las que debía acoplarse reconociendo que en el camino se encontraría con bailarines que iniciaron a tempranas edades, 9 años o incluso menos, y eso convertía al ballet en un reto mucho más fuerte y disciplinado. En ese momento, Edisel solo pensó en ser como ellos. Sin importarle nada más que desarrollar su arte, como un pájaro de alto vuelo, viajó a la Habana a estudiar ballet clásico. Recibió el apoyo de un padrino argentino por quien siempre mantuvo firme su convicción de “hacer lo que tenía que hacer”. Las oportunidades siguieron llegando y al cabo de 4 años, su espíritu competitivo se vio reflejado: Edisel llegó a ser un bailarín profesional.

Desde entonces, es un artista inquieto, con muchas ideas en su cabeza, rebelde, como cualquier gran creador. Su espíritu siempre dispuesto a investigar, expuesto al caos, a hacerse problema, a soñar, incluso con cosas que sabe que son irrealizables, pero que no dejan de ser un sueño.

Hace nueve años que llegó al Ecuador, y sus apetitos no han cambiado. La danza sigue siendo su mundo interno en el que no cuentan mucho las reglas, sino que sobresale un sentimiento corporal, en el que siempre está presente el amor y los conflictos, pues cuenta que su vida se ha desarrollado así, de manera “ambivalente”, lo cual resulta una característica muy significativa en sus obras y creaciones.

Su equilibrio radica en la danza, y es que ver su danza es como conocer su personalidad alegre, su contrariedad, su fuerza, su nivel técnico, su dinamismo, su versatilidad, su vida. Edisel refleja su talento y su profesionalidad con pasos de ballet. Es una tromba de aliento, una ola fuerte que envuelve, que sabe lo que quiere decir. “Mi cuerpo todavía anhela bailar, pero mi mente anhela crear, es como una dicotomía, algo complicado, me siento entre dos mundos, no hay un punto común, porque mi cuerpo ansía bailar y mi mente esta todo el tiempo creando”, afirma.

Siempre quiso crear, el diseño, animación y edición de tv, la música, la pintura, siempre le gustaron. Pero su equilibrio radica en reconocer su locura por la danza, por los placeres y sus extremos. “Me inclino tanto a la derecha, que llego a la izquierda. Puedo ser muy serio al punto de ser paranoico, agresivo o al contrario puedo ser súper relajado, chistoso, un payaso”.

Por ahora, sus ideales personales y profesionales son muchos. En lo personal, su novia y su hija seguirán siendo su motor; en lo profesional planea seguir bailando, creando obras espectaculares que sencibilicen al público "lo que la vida le ha dado". Esa es su aspiración más próxima, dice.

Una fecha para que la danza inunde los espacios

2010-05-22T16:56:00.000-07:00

Día de la Danza 2010.
Foto: Cortesía del Ballet Ecuatoriano de Cámara.

Por: María José Larrea.
mjlarrea@udlanet.ec

Cada 29 de abril, las instituciones culturales, compañías, escuelas de danza y personas de todo el mundo son invitadas a organizar diversas actividades para celebrar la danza y su universalidad.

Los bailarines danzan para celebrar la paz, danzan para exorcizar la guerra, danzan para inundar de alegría los espacios, porque la danza es una revolución por la que vale la pena luchar…

Así lo demostró Jean Jacques Noverre (1727 - 1810), revolucionario coreógrafo francés, quien persiguió en sus obras ese carácter “natural y expresivo más que técnico y virtuoso” de la danza.

Se trató de un bailarín de renombre mundial, que poseía una cultura general y amplia, que incluía el estudio de la poesía, la historia, la pintura, la música y la anatomía a cada uno de sus movimientos.

En el día de su nacimiento, el 29 de abril, el Consejo Internacional de la Danza (CID) instituyó en su honor, el Día Internacional de la Danza en 1982.

Desde entonces, cada 29 de abril, las instituciones culturales, compañías, escuelas de danza y personas de todo el mundo son invitadas a organizar diversas actividades para celebrar la danza y su universalidad.

Entre manifestaciones, festejos, espectáculos especiales, cursos, muestras públicas, shows en las calles, exhibiciones y visitas a teatros, se conmemora un arte que mantiene vivas todas las pequeñas cosas con las que se construye la grandeza de la sociedad, de la época, de la naturaleza, de la vida.

Así, en todos los países, los afanes creativos de quienes pretenden reunir a todos los géneros dancísticos se concentra en un lenguaje común: la danza, que aparece como una voz universal que forma parte de la historia de la humanidad desde el principio de los tiempos.

Rubén Guarderas, reconocido como uno de los fundadores de la danza ecuatoriana, a través del Ballet Ecuatoriano de Cámara, creado en 1980, es una de esas mentes artísticas y creativas que aporta significativamente al desenvolvimiento de este festejo.

Este año, bajo el lema “Revitalizando lo social a través de la danza", el Ballet Ecuatoriano de Cámara, al ser una de las instituciones organizadoras, integró al Ballet Quitus, Danzando Tierra, Danzamérica, Saryumanda, Grupo Jegal y Metrodanza, para sumar esfuerzos y voluntades, este 29 y 30 de Abril, en el barrio La Ronda y así demostrar a su público la riqueza de las expresiones dancísticas existentes en el Ecuador.

La integración de artistas con una visión muy amplia, que genera consciencia a través de un instrumento sensible, generoso y con una riqueza cultural impresionante, convirtieron las calles, plazas, parques y teatros del sector, en un dechado de esplendor visual.

La gente atraída por la música se acerca y admira con alegría, esa pasión y esa identidad impregnada con que se desenvuelven cada uno de los bailarines.

Es la oportunidad para que esa energía contagiante inunde los espacios de inmediato. El ambiente que se presencia va mucho más lejos de lo que los ojos pueden divisar y comprender, no son solo movimientos corporales, implica ese sentir y ese transmitir tan intrínseco que aflora de cada personaje.

Y es que para la realización de aquella majestuosa fiesta se requiere de mucha preparación, no solamente física, también demanda como mínimo la dedicación de 13 horas diarias para su desarrollo mental, espiritual y expresivo. Por eso es que se dice que para un bailarín, “el día de la danza son todos los días”.

Año tras año los distintos grupos de danza lucen “shows” cada vez más novedosos, impactantes y creativos. Para los ojos que los miran, los oídos que los escuchan y las manos que los aplauden éstas obras son una verdadera incertidumbre. Tanto las técnicas, expresiones y emociones de los bailarines, como las temáticas variadas que son presentadas así como van cambiando, se van perfeccionando.

“El día de la danza es un evento que cada año atrae más la atención del público. Es admirable ver el placer con el que bailan, como canalizan la música con el cuerpo”, fue lo que dijo Marcelo Quiñonez, uno de los espectadores que evidenció el éxito de esta celebración.

Es un día que vale la pena conquistar. Para Klever Viera, Coreógrafo del Ballet Ecuatoriano de Cámara, tras 20 años ejerciendo como bailarín, la danza es un instrumento de los más adecuados para celebrar el espíritu, a la mujer, al hombre, a la vida, al cuerpo y a la consciencia de este oficio. Considera que esta es una fecha para que “los maestros de la danza demuestren que su trabajo y preparación va mucho más allá de un calendario convencional”. Para Viera, se trata de “un festejo íntimo que evoca la historia y sus raíces, más no un homenaje superficial”.

Así se reconoce cómo el 29 de abril, “Ellos danzan porque se entienda que es un arte para todos, no solamente para los profesionales”, dijo.

La ciudad de Quito, es una de las capitales que por su historia, y por los triunfos alcanzados en este oficio, se une cada año a esta celebración.

María Dolores Tacuri: La gracia y la armonía de su personalidad danzante.

2010-05-22T16:47:00.000-07:00

Se diría que todo estaba escrito, o más bien lo había imaginado, en los cuentos de hadas que sus padres le contaban. María Dolores Tacuri, creció en un mundo lleno de fantasías, sueños y príncipes azules.

Como toda niña imaginaba ser la protagonista de cada una de esas historias que escuchaba, sin saber que aquellos suspiros llenos de ilusiones se deslizarían sobre la gracia y la armonía de su personalidad danzante.

A los 11 años, guiada por su hermana, quien parecía ser su hada madrina, “Lolita”, como le conocen, entró al Conservatorio Nacional José María Rodríguez en Cuenca. Para entonces, aquellas prácticas de ballet solo eran un juego más. Al paso de los años, sus pequeños pies, fueron calzando en las zapatillas rosa, con las que toda exitosa bailarina empieza.

A su corta edad, las oportunidades siguieron llegando. Lolita continuaba desplegándose sobre una invisible alfombra de ensueño. Mientras más edad y experiencia adquiría, Lolita empezaba a vivir la danza con el alma, conjugando su pasión con su experiencia. Se había dado cuenta que, a sus 19 años, ya era hora de definir prioridades.

Aunque sus estudios siempre estuvieron a la par de la danza, a los 18 años, a penas terminó el colegio, decidió viajar para estudiar en el Ballet Nacional de Cuba.

Su figura y sus movimientos tornaron los teatros repletos de gente. El público pudo percibir el suspiro, el aire y el vuelo que Lolita estaba empezando a encumbrar. Ahora ya no solo como una niña sino como una mujer con mucha profesionalidad. “Saltarse etapas de su vida” fue una de las condiciones necesarias para conquistar su sueño.

A su regreso le esperaba su familia, que siempre le apoyó, y algo que dejó pendiente: sus estudios universitarios. Para el 2004 regresó a Cuenca e inició su primer año de Ingeniería en Sistemas. Sin embargo, se dio cuenta que se trataba de una carrera que no era parte de ella, “que era postiza” y tomó la decisión de continuar con la perfecta armonía que sentía al ser bailarina.

Su retorno fue como un suspiro. Lolita, oyendo los gemidos del viento que trajo al mundo la historia de amor eterna más hermosa y a su vez, la más sufrida, interpretó un personaje que le dio el impulso para ser quien es. Tuvo el privilegio revivir a Julieta y de enamorar a Romeo.

Combinar las fantasías de su infancia con las letras, versos, historias, dramas y tragedias, son su inspiración. De esa manera puede darle más realismo a su interpretación. Así es Lolita, trabajadora, responsable, organizada, creativa, alegre, humana, una bailarina joven que, está despertando de encantadores sueños, porque ahora, son fascinantes sus realidades. Los cuentos describen su historia, descubren su talento y figuraran su felicidad.

¨La danza es todo… un arte completo¨

2010-05-22T16:30:00.000-07:00

El eje de su vida siempre ha sido la danza, tras 32 años dedicada a su carrera, Camila Guarderas, cofundadora del Ballet Ecuatoriano de Cámara, habla sobre un arte del que no quiso salir jamás. Son diez años los que ha dejado de bailar, pero su enérgico carácter continua formando exitosos bailarines.

¨Mi sueño¨

¿Cómo empezó este sueño del Ballet ecuatoriano de Cámara?

Aunque empezamos con Rubén Guarderas, mi esposo, a estudiar en Chile, Ecuador fue la puerta para conquistar nuestro sueño. Primero empezamos creando el Instituto Nacional de Danza porque en Ecuador no había ninguna escuela que haya incursionado en la danza. Al poco tiempo ya fue la Compañía Nacional de Danza con Marcelo Ordóñez. Hasta que decidimos hacer lo que ahora es nuestra propia compañía.

¿Entonces, esta visión se trató de un gran aporte para que la danza en Ecuador surja?

Pues si, desde entonces la danza y su técnica ha evolucionado muchísimo. Cuando nosotros llagamos no había nada, pero ahora con el Ballet Ecuatoriano de Cámara, tenemos bailarines que conocen técnicas impresionantemente avanzadas, casi a la par de otros países en que la danza tiene muchos años de trayectoria.

¿El ballet cuenta con bailarines extranjeros?

Si, como una manera de avanzar en el nivel técnico, contamos con un treinta por ciento de bailarines extranjeros. Ellos son quienes nos ayudan a formar bailarines ecuatorianos exitosos, con habilidades nuevas.

¨La danza, mi vida¨

¿Qué es para usted la danza?

La danza es todo, su desarrollo requiere del cuerpo, de mucha cabeza, es decir, de inteligencia, un oído musical bueno… es un arte completo.

¿Pensó alguna vez en abandonar su carrera?

No, se trata de un arte que si entras ya no quieres salir jamás.

¿Y todas las dificultades, sacrificios que se le presentan a una bailarina nunca son motivo de desilusión o lejanía con su sueño?

No, aunque es muy dura y difícil, pero yo creo que todas las carreras requieren de mucho sacrificio.

¿Se sacrifica a la familia siendo bailarina?

Si, aunque yo no tuve hijos, estoy conciente de que no es nada fácil mantener una familia. Las bailarinas podemos tener máximo un hijo, por cuestiones de tiempo, de deterioro físico, por los viajes que realizamos ¨como gitanos¨, porque pasamos todo el tiempo viajando. Al tener un hijo tu carrera se irrumpe y cuesta reponerla.

¿Son sacrificios que inciden mucho porque se trata de una carrera corta?

La danza es una carrera muy intensa, interesante y versátil pero lamentablemente corta. A los 30 o 40 años máximo, podemos mantenernos bailando. Eso representa un límite por el que se tiene que postergar muchas cosas.

¿Estuvo consciente de ello al momento de decidirse por ser bailarina?

No, cuando a uno le gusta ni siquiera piensa en eso.

¿Y que pasa cuando se encuentra frente a frente con esa realidad?

No te queda más que dejar de bailar, tu cuerpo ya no lo permite. Pero hay miles de cosas dentro de la danza que uno puede hacer. Puedes ser maestra de ensayos, vestuarista, o puedes dictar clases, todo cuanto se trate a la realización de las obras, en cuanto a su forma y su fondo porque la experiencia te lo permite.

¿Hace cuanto tiempo dejó de bailar Camila?

Hace 10 años. Ahora tengo 50 años pero continúo transmitiendo a través de mis bailarines lo que soy, lo que siento y lo que se.

¿A qué se dedica ahora Camila?

Soy directora artística. Ahora veo la danza desde afuera.

¿Existe una obra en la que se combine el talento de Camila ayer y hoy?

Si, en ¨Amanecer¨, una de las obras más sencillas y más profundas en las que participé hacen mi ayer. Pero hace tres meses, en que empezamos a repasarla, es una obra presente en Camila, solo que esta vez he dejado de ser la protagonista. Ahora soy la directora.

¿La danza va a continuar siendo el eje de su vida?

Si, yo creo que tengo energía para mucho tiempo más en la danza. Voy a continuar dando clases, porque quiero seguir formando bailarines. Aún busco ¨enseñar a los que vienen¨ y ver ese desarrollo que me hace sentir tan orgullosa porque la danza para mí, lo es todo.

“He cumplido el sueño de toda mi vida: llegar a ser bailarina”

2010-05-22T16:09:00.000-07:00

Madura, con claros objetivos y una experiencia que impresiona,
tras 37 años dedicados a la danza, Laura, habla del ballet, su
sueño alcanzado.

Laura Alvear, de 54 años,
Danza nacional, tradicional especialista en la danza contemporánea.

Por: María José Larrea.

¿Cómo incursionó en el mundo del ballet?

Bueno yo incursione en la danza un poquito tarde - entre comillas tarde- porque quien quiere llegar a hacer las cosas no importa la edad. A pesar de que en mi familia no había nadie que se incline por esta actividad, yo desde muy niña quise ser bailarina, siempre soñé con tener un grupo de baile, soñaba con hacer coreografías. A mis padres continuamente les insistía que me pongan en un curso de danza, hasta que logré iniciarme a los 17 años en la Casa de la Cultura, en el Ballet Folclórico de Marcelo Ordóñez.

¿Tenía otros planes antes de empezar con la danza?

Si, en mis planes estaba la arquitectura porque siempre me gusto lo creativo. Sin embargo, fueron las circunstancias las que me hicieron decidir por el ballet, pues al poco tiempo de haber iniciado ya era parte de la Compañía Nacional de Danza, en donde practicábamos el ballet clásico y el contemporáneo. Al año, resolví que el ballet era mi carrera con un viaje a México, a los 18 años, en el que pude perfeccionar el ballet contemporáneo e hice mis primeras presentaciones.

¿Siempre tuvo el apoyo de su familia?

En un comienzo no estaban de acuerdo porque no consideraban la danza como una profesión de la que se pueda vivir. Para mis padres era una mejor opción la arquitectura, sin embargo cuando se enteraron que le estaba dando más importancia al ballet que a la universidad, apoyaron y respetaron mi decisión.

¿Fue una decisión difícil?

No, porque yo si veía al ballet como una profesión de la que se puede vivir o sobrevivir, pero haciendo lo que quieres y sientes. Era necesario tomar esa decisión porque en la danza el desarrollar habilidades mientras más joven eres es mejor. Me di cuenta que la danza requiere de mucha disciplina, te dedicas o no te dedicas, porque es una cuestión física, que siempre tiene presente el tiempo.

¿La vida de una bailarina es sacrificada o solamente es un estereotipo?

La vida de una bailarina si es dura, porque está fuera de esquemas sociales. Es una carrera que requiere de mucha disciplina y constancia, en la que se trabaja contra reloj, sin horarios, sin vacaciones, hay que mantener el peso adecuado, perfeccionar técnicas y para eso se requiere de tiempo y mucho sacrificio.

¿Cuáles han sido esos sacrificios?

Se pierde – entre comillas- la actividad social con la familia, los amigos, las fiestas, todo. Con ocho horas diarias, de lunes a sábado, no te queda tiempo para nada más que la danza.

¿Esos sacrificios han valido la pena? ¿Por qué?

Si, a pesar de todo he cumplido el sueño de toda mi vida: llegar a ser bailarina.

Entonces ¿el ballet es una mezcla de técnica y sentimiento?

Si, la danza a más de una técnica es una expresión. Yo por medio de la danza he podido expresarme, física y espiritualmente. He incluido a mi vida cada uno de los personajes y así he demostrado mi sentimiento al público.

¿Cuál es el personaje en el que ha tenido que trabajar más?

Con los personajes más cotidianos y humanos me identifico mucho, por eso es que me resultan difíciles las representaciones de princesas los personajes en los que mas tengo que trabajar.

¿Hasta cuando se ve bailarina, que espera para después?

A mis 54 años continúo bailando, aunque ya como antes pero si me mantengo en actividades que hacen bien a mi momento. No pienso dejar que los esquemas sociales me maten como artista porque aun me veo bailarina. Espero continuar impartiendo mi arte a través la experiencia que tengo porque la vida artística es para siempre.